Hoy vengo hablaros de un tema que cuando lo estudié en su momento me maravilló. En post anteriores he hablado del concepto de musicalidad y como interiorizarlo es vital para entender e interpretar la música como si fuera una escultura sonora desde todos sus puntos de vista. Un buen intérprete, director de coro u orquesta, musicólogo o estudiante entenderá la música no como algo superficial, sino como un sentimiento que se expande desde dentro hacia fuera que logrará ser percibido por un tercero sin necesidad de explicaciones superfluas. La ausencia de musicalidad, es por tanto, la visión parcial de la música tanto a nivel interpretativo como analítico.
Este concepto de musicalidad, tan dificil de explicar pero tan fácil de interpretar cuando la música fluye por las venas, es muy parecido al análisis en la interpretación de una obra artística que propone el historiador del arte alemán Erwin Panofsky (1892-1968).
Retrato de Erwin Panofsky (Philip Pearlstein, 1993)
Para Panofsky análisis de una obra pictórica se realiza en tres niveles: Preiconográfico, iconográfico e iconológicoestableciéndonos en cada nivel una serie de preguntas que expongo a grandes rasgos:
Preiconográfico: ¿Qué es lo que veo?¿Qué hay?
Iconográfico: ¿Qué significa lo que veo?¿Cómo se interpreta?
Iconológico: ¿Qué quiere decir lo que está representado teniendo en cuenta el contexto histórico y social del artista?
Este estudio una obra artística que propone Panofsky, es además es una de las metodologías de análisis aceptadas en la historiografía del Arte pues contiene varios niveles de análisis que convierten una obra en algo que no es estático transformándolo en una escultura pictórica a analizar en todos sus planos y aristas. Ahora, si volvemos al tema de la musicalidad teniendo en cuenta lo anterior ¿Un músico analiza lo que lee? ¿Un músico interpreta lo que lee? ¿La contextualización de la música ayuda a su interpretación? ¡Claro que sí! En mi opinión, la musicalidad de una persona responde a estas preguntas sin necesidad de pensar sus respuestas ya que es algo innato e inherente a un músico o a las personas que poseen esa sensibilidad musical. Pues la musicalidad no es solo sentir, es responder adecuadamente a la música y sus contextos desde la cabeza, pero también desde el corazón.
¡Hasta el próximo artículo!
Nota: Como muchos habréis observado este análisis es muy parecido a los diferentes tipos de análisis que se pueden realizar en una partitura: formal, interpretativo e histórico. ¿Encuentras las analogías? En mi opinión, los tres planos de análisis de Panofsky se pueden aplicar a todas las artes en general pues el arte no es solo una capa, son muchas, por muy superficial que a veces nos pueda parecer las diferentes manifestaciones artísticas.
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¡Hola! Se acaba la semana ¡bien! Ahora a descansar aprovechar estos días que tenemos por delante 🙂
Hoy os quiero hablar de la estrecha relación de la pintura con la música en la figura de un pintor que me apasiona. Seguro que no os sorprenderá si os comento que se trata de un artista cordobés del que ya os he hablado en otras ocasiones porque yo, no se si os lo he dicho ya, nací y crecí en Córdoba . Bueno, vale, es la enésima vez que lo digo pero va dentro de mi ADN aunque físicamente parezca una guiri.
Julio Romero de Torres fue el pintor de la mujer cordobesa, pero también de la guitarra y el flamenco en su máxima expresión pero, ¿Qué le llevó hasta ese punto? ¿Qué hacía de su pintura una experiencia músical visual? Estos temas son los que se tocan en iconografía musical. Preguntas y respuestas que ponen sonidos a la música pintada. La vida del artista da un poco de luz a la labor de investigación para responder las interrogantes musicales que desprende su obra.
Julio Romero de Torres: Cante Hondo (1922-24)
1. ¿Quién era Julio Romero de Torres?
Julio Romero de Torres nace en 1874 en una vivienda justo al lado del Museo Provincial de Bellas Artes en Córdoba capital. En 1884 entra en el conservatorio y en la Escuela Provincial de Bellas artes que dirige su padre. Años mas tarde empieza con colaboraciones en distintos entes, adentrándose además de poco a poco en la vida artística y social cordobesa y en el mundo bohemio madrileño de tascas y poetas. El autor vivirá finales de siglo un hecho que macaría a intelectuales y artistas de la época : el desastre del 98. A principios del Siglo XX , Romero de Torres se mezcla con la alta sociedad cordobesa, sigue pintando y recibiendo encargos así como iría conociendo algunas de las que después serían sus modelos. Julio Romero no está ajeno al movimiento cultural del momento y en estos primeros años viaja a Holanda y reside por un tiempo en Madrid. Participa en las tertulias de Pio Baroja, Pérez de Ayala…. Además de sus amigos e intelectuales en Córdoba..
Bien, por ahora sabemos que Don Julio iba para artista fijo y que el arte y la música era una constante en su vida. Porque aunque ahora en una tasca disfrutemos del hilo musical que toque en ese momento, antiguamente la música en diferido como que no, así que nos podemos imaginar del ambiente musical que disfrutaba nuestro pintor entre medios y quintos.
A Julio Romero le tocó vivir una época de gran actividad cultural en Córdoba capital, los cafés se convierten en lugar de disfrute de espectáculos musicales, el conservatorio está en pleno crecimiento. Por su parte, el pintor nació en una familia de artistas, Julio Romero formó parte del alumnado (así como después sus hijos) de la sección musical de la escuela de bellas artes de Córdoba. Esta sección musical dará por primera vez lugar en Córdoba, a la creación del conservatorio provincial de Córdoba anexado a la escuela de Artes y Oficios. Siendo esta la primera vez que se realiza una enseñanza de la música reglada en Córdoba lo que daría un nuevo impulso al ámbito cultural de la ciudad. Julio Romero de Torres recibió enseñanzas musicales , además de la de profesor en la escuela de bellas artes donde inevitablemente y por proximidad se empapaba su ambiente musical por lo que la música no era un gran desconocido , fluía con el.
2. Pero, ¿Por qué esas guitarras gráciles, ligeras que parecían tocar el cielo si conocía perfectamente el mundo musical? Para ello, es mejor de tomar referencia una de sus obras: Alegrías (1917)
Alegrías (1917) Óleo y temple sobre lienzo. 161 x 157 cm.
La guitarra aparece de forma sumamente ligera, grácil y estilizada Las guitarras pintadas en sus cuadros podría ser la que el artista toca en sus ratos libres. Esta guitarra, debido la inclinación del artista por la estilización de figuras es representada de una forma mas alargada de lo normal. No es posible saber el tipo de guitarra, probablemente flamenca (aunque faltan los dos remaches que suelen tener las guitarras flamencas para no dañar la madera). Respecto a la posición que lleva el intérprete, refleja mucho la forma de tocar que tenía Julio Romero. La posición es muy parecida a la foto que muestro a continuación, por lo que podría también haber influido a la hora de preparar al modelo para posar. Julio Romero era intérprete y admirador de guitarristas flamencos, el tocar de esta forma tan inclinada es totalmente factible pues al inclinar el sonido resuena mas. Julio Romero era admirador del flamenco clásico, el cual por aquellos años se tocaba así por ello su representación tan inclinada. Respecto a la bailora y las otras tres figuras femeninas se acercan más al simbolismo, como muestra la mujer que está tumbada viendo la escena, mostrando cada una de ellas una actitud diferente ante la música siendo la escena más cercana dentro de la verosimilud a un mundo onírico y simbolista
Julio Romero tocando la guitarra y su hijo Rafael interprete en el cuadro
3. ¿Y las conclusiones? ¿Qué conclusiones se sacan?
Estudiando la vida pintor se deduce que Julio es conocedor de la música (incluso hizo su incursión como cantaor aunque no con mucho acierto) . En su obra, la música es estilizada, dramática, cargada de símbolos en un ambiente denso y profundo que hace que no se pueda despegar la vista de cada pincelada. El pintor de la mujer morena, no es solo eso: En sus “lejos” (paisajes) y mujeres hay un aura simbolista y misteriosa que rodea su obra – sobre todo a partir de 1920 hasta su muerte- que quizá puede recordar un poco a los mundos oníricos de Dalí ( fue alumno de Romero de Torres cuando ejercía de profesor en la escuela de San Fernando). Son sensaciones encontradas ante este pintor misterioso que impregna sus cuadros de flamenco, de segundas lecturas y del dramatismo en una mirada en la que su iconografía musical aunque clara, encierra muchas interrogantes y misterio para el observador.
Julio Romero dijo: “Si a mi me hubieran dado a escoger entre la gran personalidad de Leonardo da Vinci- por el que siento una gran admiración tal que lo reputo como el primer pintor de la historia-o, la de Juan Breva, no había vacilado. Yo hubiera sido Juan Breva el mejor Cantaor que ha habido. Yo también traté de cantar (…) pero para qué repetirlo? Fracasé”
Para terminar. ¡No me digáis que no es maravilloso todo lo que se puede sacar del estudio de la música en la pintura! Luces y sombras, recovecos, pensamientos al aire sobre la vida y obra del artista recordando cada paso, cada línea cada palabra. Os animo a investigar la apasionante historia que se esconde tras la música pintada, porque es apasionante descubrir los secretos que se pueden descubrir en cada pincelada. A continuación os dejo una pequeña bibliografía empleada en este pequeño estudio sobre la obra de Julio Romero de Torres por si queréis consultarla.
Julio Romero de Torres: Conocimiento de su obra y su persona.
¡Hasta el próximo artículo! ¿Os ha gustado esta reflexión? ¡Espero que sí! Puedes compartirla en tus RRSS favoritas y harás muy feliz a esta musicóloga 🙂 Si no, siempre puedes leerlo de forma meditada, atenta y tal 🙂
Hola! Qué tal? Ya estoy por aquí otra vez.¿Qué tal habéis pasado el verano? Espero que el inicio de curso y rutinas no os haya sido muy pesado. Hoy os escribo porque me he topado con un instrumento musical muy extraño del que no tengo apenas información y tan solo he obtenido unas pocas fotos. ¿Conseguiré al término de este artículo saber un poquito más de este artilugio? En tal caso, ¡os presento el Myriphon!:
El genuino Myriphon ¡No acepte imitaciones!
¿Es la ruleta de la fortuna?¿Una performance de sombrillas? Podría ser, pero lo cierto es que nos encontramos ante un instrumento musical de principios del S. XX, inventado por el matrimonio Karsy. Pero, ¿hasta que punto podría ser real este instrumento si no encuentro nada relacionado con él? Esta pregunta es una de las bases en las que trabaja el el historiador musical que nos hace a su vez, plantearnos más incognitas ¿Qué es real y que no es? ¿Puede ser que nuestros avispados amigos nos intenten engañar con un esplendoroso fake vintage musical? Lo mismo que pasa en el arte, también pasa con la visión musical de algo del que no tenemos referencias históricas. Como no tengo una biliografía sobre el Myriphon os contaré un poco de que se trata. Se supone que este instrumento intenta emular una orquesta de cuerdas por lo que al poner en marcha la manivela ( que sirven de cajita de resonancia) deberíamos de estar escuchando esplendorosas masas musicales . Consta de 25 “ruletas” que a su vez están constituidas por 2000 cuerdas en total que se ponen en marcha con un mecanismo parecido a una bicicleta. Para que suene de forma óptima, son dos personas las que van accionanando a las ruletas, pero a su vez detrás de ellas 2 o 3 personas más harían que se produjese el sonido con palitos de madera mientras los primeros ponen en marcha el mecanismo. También he leido que estás cuerdas, serían similares a las del piano por lo cuál me gustaría añadir algún comentario pero mi humilde cabecita le cuesta hacerse a la idea de esta ingeniaría musical de tal calibre lo que me hace inclinar la balanza a la excelsa puesta en escena del matrimonio Karsy cuyo pensamiento se acercaría más al… ¿Qué más da, mira qué bonito?
Podemos ver que esta revista musical le dedicaba una pequeña reseña en la que me he basado para describir con más o menos acierto las bondades del intrumento.
En la página 33 de esta revista del año 1902, podemos ver la pequeñísima reseña de este instrumento que es en la que me he basado para comentar. ¡Realidad o ficción que el matrimonio nos quería colar?
Con esto, nos podemos hacer una idea de la importancia de las fuentes y de la investigación previa antes de dar algo por hecho, ya que la historia a veces cruza en nuestro camino pequeños acertijos para nuestro goce y disfrute. Os propongo que cuando os encontréis ante un enigma musical sea de la tipología que sea, intentéis tirar del hilo, investigar, comparar, contrastar independientemente de nivel y conocimientos, ya que el camino es tan o más apasionante que el propio fín de la hipótesis planteada.
Para terminar, unas fotos de nuestro Myriphon y una pregunta al aire, si se refieren al Myriphon como “Giant Myriphon” ¿Dónde está el mini Myriphon?
Aquí Myriphoneando….
¡Dándolo todo! Eso si, ver como es el Myriphon entre bambalinas como que no…
¡Hasta el próximo artículo!
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Ayer estuve buscando imágenes interesantes para #FotoMúsica para mi cuenta de twitter. Y de casualidad me encontré con un cuadro que llevo muchísimo tiempo buscando. No recordaba el auto , y la he buscado en multitud de ocasiones. Como sabéis en el campo de la iconografía musical se analizan las representaciones musicales que hay en la obra en cuestión para profundizar y reflexionar la relación del artista con la música, planteando preguntas como : ¿Era intérprete?¿El instrumento podría ser tocado en la realidad? Naturalmente, me refiero a obras más antiguas, cuando el visionado de un concierto solo estaba reservado a la élite y se sabía de determinadas músicas de oidas y otras descripciones tanto visuales como escritas. Imaginaos que sois artistas a los que encargan dibujar un Mellotrón y para hacerlo solo tenéis acceso a vagas descripciones que os han contado o habéis leido, ¿complicado, no? 😛
La obra a la que me refiero es a un cuadro que descubrí en cuando daba Iconografía Musical, tiempo después le perdí la pista y estuve buscándolo hasta hoy. Sorprendente, enigmático, inclasificable…. me refiero a la obra renancentista de 1515 “Concierto de los Ángeles y la Navidad” del pintor alemán Matthias Grünewald
El Concierto de los Ángeles y Navidad (1515)
Esta obra forma parte de El Retablo de Isenheim que se puede visitar en el Museo de Unterlinden, en Alsacia (Francia). Llama la atención por sus grandes dimensiones y por sus 9 paneles abatibles de los que se compone que muestran diferentes momentos claves de la liturgia cristiana.
El concierto de los Ángeles y la Navidad me llamó especialmente la atención por su particularidad. Como podemos ver, la obra consta de dos escenas diferenciadas, una es el concierto de los ángeles, más terrenal (izq), y otra la Virgen María con el Niño Jesús creando la sensación de que estar en el mismo lugar, pero sin estarlo. A la derecha, los útiles de aseo, las telas con paisaje al fondo con tonos claros. A la izquierda, los ángeles que emanan la calidez indescriptible de la música la cual contrasta con los otros paneles del retablo por su inusitada violencia al mostrar las diferentes escenas.
Pero en lo que me voy a centrar es en el extraño instrumento musical que porta el ángel principal que destaca respecto a los otros personajes del cuadro por la iluminación que incide directamente sobre el . Luz celestial que parece emanar veladamente de la Virgen y el Niño lo que hace que el espectador de forma inconsciente centre la vista en el curioso instrumento.
Este extraño instrumento de cuerda encierra un halo de misterio….
No se sabe muy bien de que se trata, se asemeja a otros instrumentos de cuerda de la época. Por su forma, se asemeja a un chelo, concretamente y enmarcado en su época, a una viola de gamba. Pero ¿ por qué su forma recuerda más a la de un chelo posterior a su época que una viola de gamba? Si se observan sus dimensiones, el instrumento resulta muy fino y hosco, como un mazacote cuya caja de resonancia resultara insuficiente. Con las hendiduras de la caja (calados) y el puente donde reposan las cuerdas, parece que forma una un rostro sonriente. ¿Intencionalidad o realidad? Sea lo que sea, por el realismo del instrumento no parece que a Grünewald le fuera desconocido el mundo musical. Otra cuestión que se plantea son las hendiduras justo por donde pasa el arco hecho por el cual parece desafiar a la física sonora ya que debería tocarse en la parte inferior para proyección del sonido. Como se puede ver, en la parte superior la caja vuelve a ampliarse y parece observarse los clavijeros. Así ,surgen muchos interrogantes sobre el misterioso instrumento de Grünewald. ¿Existiría en realidad? ¿Hizo una fusión de instrumentos de la época? ¿En qué se basó? Por supuesto, no han sido pocos los musicólogos y demás especialistas de la música los que han intentado reconstruir este instrumento a raíz de esta representación (como bien se ha hecho con otros instrumentos de la época) pero los resultados han sido infructuosos. Ha sido imposible llevarlo a la actualidad y tan solo nos queda este misterioso testimonio cuya respuesta solo tiene este enigmático artista. ¿Os animáis a realizar vuestras pesquisas?
Me gustaría mucho saber la opinión de los que tocáis instrumentos de cuerda frotada, ¿Qué os parece?
¡¡ Hasta el próximo artículo !! 😀
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Escribo un breve apunte sobre la inclusión de 19 obras del artista cordobés por excelencia, Julio Romero de Torres (1874-1930), en Google Art Project contando así esta plataforma con la colaboración del Museo al que da nombre estel artista. Este iniciativa , consiste en la inclusión de galerías virtuales a gran resolución de obras expuestas en museos del todo el mundo con la finalidad de construir una gran galería universal vitual al alcance de todos con un solo click.
Para mi, como cordobesa admiradora de la música en las obras de este pintor ilustre, representante de la Córdoba su tiempo, me llena de orgullo ya que supone también una muestra más del reconocimiento internacional a este artista de colores apagados y regios, horizontes difusos,los sonidos que se ven y la expresión cultural de un pueblo que nunca salía en los retratos de una época.
Julio Romero de Torres, el pintor de la guitarra y los ojos azabache.
Si hay una rama de la musicología y el arte que me apasiona por los secretos y misterios que encierra, esa es la iconografía musical. A menudo, vemos en los cuadros representaciones de instrumentos musicales y partituras que pasan sin pena ni gloria de un vistazo pero que prestando un poco de atención nos hace descubrir nuevos aspectos maravillosos..
Vale, son instrumentos musicales, pero también es el único documento visual de la música de una época y más si hablamos de representaciones artísticas de muchos siglos de las que solo tenemos ese testimonio gráfico para poder recrear el instrumento y la visión de la música de ese momento. Gracias a un análisis iconográfico musical podemos reconstruir instrumentos de otras épocas y descubrir nuevas (y pequeñas) partituras, averiguar las nociones músicales (visuales y teóricas) del artista que le ayudara a representarlo en un lienzo, un retablo, una escultura….
Con ello, al encontrarnos un instrumento musical en una obra nos podemos hacer estas preguntas para reflexionar sobre el aspecto musical en el arte:
– ¿Qué instrumentos aparecen? ¿Qué tipo de obra estamos viendo?¿De qué estilo y época?
– -¿Hasta dónde llega su nivel de detalle? (Por ejemplo,cuerdas, trastes, detalles estéticos…)
– ¿Éste instrumento se podría tocar porque la representación de su mecanismo permitiría hacerlo? (por ejemplo, cajas de resonancias muy pequeñas o ausencia de ellas, mástiles cortos, mecanismos que harían imposible cualquier sonido..)
– ¿Existen o tenemos representaciones del mismo en la actualidad ?
– Si alguien está interpretando música con él ¿es una postura adecuada para hacerlo?
Con estas sencillas preguntas, nos dedicamos estrictamente al instrumento musical y no a la interpretación del mismo en el cuadro (lo trataré en post aparte porque es muy interesante los significados y alegorías de los mismos). Así cuando tengais la suerte de poder visualizar láminas o ver directamente los cuadros en un museo os invito a buscar los instrumentos musicales escondidos (o no) en el cuadro y hacer estos sencillos ejercicios de los que se pueden aprender mucho indagando en la búsqueda de respuestas.
Aquí os pongo algunos ejemplos para reflexionar
Mirad la guitarra y la forma de tocar la guitarra ¿La reproduce fielmente? ¿Pensais que Julio reflejaba su realidad histórica? ¿Qué música podría estar tocando?¿Dirías que están tocando en grupo?¿Qué tipos de instrumentos, están tocando?¿Cuántas cuerdas tiene el arpa?¿Son factibles las posturas para tocar?
Si quereis profundizar en el tema podeis visitar la página de la Complutense sobre su proyecto de Iconografía Musical en los cuales Cristina Bordas trata con profundidad este tema.
