Cómo empezar a estudiar paleografía musical. Nociones básicas para futuros musicólogos

¡Hola musiqueros!

¿Qué tal la semana? ¿Intensa? Pues nada, a disfrutar este domingo con música o lo que surja,  Por mi parte hoy os quiero hablar de un tema que ha surgido a raíz de una consulta en el artículo dedicado a la  Paleografía musical. Como muchos sabréis y más si habéis o  estáis estudiando disciplinas relacionadas con la historia, la paleografía se refiere al estudio y análisis de los documentos escritos a lo largo de la historia. Como punta de lanza en esta disciplina, el análisis crítico es vital para realizar hallazgos que permitan completar la máxima información posible del documento fruto de estudio para clasificar y enmarcarlo en la historia.

Respecto a la paleografía musical, se centra exclusivamente en el estudio de la escritura musical lo que requiere grandes conocimientos sobre notación musical e historia de la música. A veces este estudio no está tan claro como echar un vistazo a un documento de canto gregoriano con notación cuadrada, donde es relativamente sencillo localizar el texto, estructura, así como hacernos una idea de su composición rítmica gracias al lenguaje. Muchas veces no está en cuestión de observar si se trata de un penta o tetragrama, o diferenciar una clivis de un punctum sino de una labor de estudio todavía más profunda ya que nos podemos encontrar documentos donde los neumas, no estaban sobre líneas adicionales sino sobre el texto a modo de recordatorio. ¿Cómo interpretarlo? ¿Cómo llegar a estas conclusiones? Es el estudio del documento lo que hace llegar a las diferentes conclusiones siempre bajo un riguroso análisis crítico. ¿Podemos hacer, nosotros, neófitos en la materia un análisis crítico? ¡Por supuesto! Para ello, es necesario argumentar y no aseverar valiéndose del propio conocimiento y de los estudios que precedan al nuestro porque así podremos sustentar nuestra teoría.

Como veis, el estudio de la paleografía histórica musical requiere de un bagaje cultural previo que ayude a conectar conceptos así como una metodología básica de investigación ya que esta disciplina no es solo el estudio de paleografría per sé ya que se trata de un campo multidisciplinar en el que confluyen historia, música e investigación en el que todos, estudiantes y expertos tienen algo que aportar.

Como musicóloga pienso que la bibliografía básica del estudio de la paleografía musical son las diferentes líneas de investigación así como la constante puesta al día de los nuevos descubrimientos documentales y la adquisición de una buena base en metodologías de investigación histórico musical.

A continuación os adjunto algunas referencias interesante que os pueden ayudar a profundizar sobre el tema.

¡Hasta el próximo artículo!

 

Referencias interesantes:

El Blog de Beatriz Montes (enlazo a artículo sobre notación bizantina)

ARRIBAS ARRANZ, F. Paleografía documental hispánica, 1968

No hay paleografía musical sin estudio de la notación musical 

Documental sobre la historia de la notación musical

 

Para pensar y contextualizar:

FUBINI, ENRICO: Estética de la Música, 2002

COOK, NICHOLAS. De Madonna al canto gregoriano: una muy breve introducción a la música, 2001

CLANCHY, J y BALLARD, B.: Cómo se hace un trabajo académico. Guía práctica para estudiantes universitarios (1997), Zaragoza, Prensas Universitarias de Zaragoza, 2000

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A un grande de la Banda Sonora: James Horner ¡hasta siempre!

Hoy tenía pensado escribir otro artículo, pero me he despertado con la trágica noticia del fallecimiento del compositor de  música para cine, James Horner . Como aficionada a la música de cine la noticia me entristece mucho así que pienso que no hay mejor homenaje que dedicarle esta entrada por tantos momentos mágicos vividos en el cine.

Leo en muchas noticias sobre su obituario  que se le recuerda por ser el compositor de Braveheart, Titanic y Avatar pero obviamente no fue solo eso, deja tras de sí una extensa producción musical para cine que abarca desde los 80 hasta la actualidad. Para los aficionados, siempre fue centro de conversación acerca de sus composiciones, pues si bien es cierto que a partir de cierta época sus bandas sonoras tendían a parecerse unas a las otras, siempre guardó para sí un reconocible sello onírico del que hizo su seña de identidad.  Por otra parte y siempre motivo de controversia fue su famoso “parabará” que aparecía en no pocas composiciones para remarcar los momentos de tensión y acción en los films que quedarán para el imaginario bandasonero más fiel y freak como un elemento que inspiraba amor-odio a partes iguales. Como muestra, esta recopilación de Parabarás para quienes no estéis familiarizados con su obra. ¡épico!

De la producción de Horner, haría dos divisiones importantes, su producción anterior a Titanic, más orquestal y sinfónica, y la que compuso a partir este film con sonidos más sintetizados y un notable cambio de estilo que derivó a  una música muy reconocible para todos y todas aunque no de la calidad a las que nos tenía acostumbrados. En mi opinión personal sus obras más brillantes corresponden a la música de películas de animación como: Fievel y el Nuevo Mundo (1986), En busca del valle encantado (1988),  Fievel va al oeste (1991), Once Upon a Forest (1993) y Balto (1995). Estas obras destacan por sus grandes orquestaciones, temas claros  y  la facilidad para crear el ambiente emocional necesario sin necesidad de estridencias. Por otra parte, hay un Horner intimista, que puso música a grandes clásicos de los 80 – a excepción de una deconocida El Testamento (1983)- como Coocon (1985), Nuestros maravillosos aliados (1987), Coocon el retorno (1988), Campo de sueños (1989), Mi Padre (1989), y  posteriormente dentro de un estilo diferenciado (dentro del mundo de acordes mágicos del compositor) Sneakers (1992), En Busca de Bobby Fischer (1993), La historia del Spitfire Grill (1996) Deep Impact (1996), El hombre bicentenario (1999), Una mente Maravillosa (2001), Iris (2001).

Por último, es de obligación acabar este artículo  con los clasicazos de un James Horner en todo su esplendor, a destacar sus dos  primeras colaboraciones: La primera con James Cameron con la secuela de Alien, el regreso (1986) y El nombre de la Rosa (1986) de Jean Jacques Annaud.  Nos vamos a la aventura épico-fantástica con Willow (1988) de la que ya nos dió un anticipo con Krull (1983) . De la fantasía viajamos a la guerra civil americana con la sobrecogedora Tiempos de gloria (1989) y de los héroes americanos pasamos al héroe en una Alemania nazi con Rocketeer (1991).  Después llegaría el amor con Leyendas de Pasión (1994) que serviría para coger impulso al temazo por excelencia,  “For the Love of a Princess”, en la épica Braveheart (1995). Pero no todo son grandes historias, también hay tiempo para la ternura. Y para tiernas, las melodías de esta película que hizo la delicia de los niños y niñas de la época, Casper (1995). De ese año también es también éxito Apollo XIII.  pero en 1997 llegaría la película por la que se llevaría los dos Oscars de su carrera por mejor banda sonora y mejor canción. Sí, eso es: And the Oscar goes to …. ¡Titanic!

Posterior a esos históricos años en su carrera,  daría otro bombazo con la Máscara del Zorro (1998) que ya forma parte del repertorio romántico de bodas y otros actos en general (con permiso de Titanic,claro). Después vendrían otras películas menores en los años 2000 como La tormenta perfecta (2000), La densa Casa de arena y niebla (2003), Amar Peligrosamente (2003) Nuevo mundo (2005) y Apocalypto (2006)  entre otras. Finalmente sería el director James Cameron, quien devolvería a Horner el esplendor de los 90 en Avatar (2009) con una banda sonora cuyo tema principal se hizo indentificativo y reconocible por el gran público como ya pasó con Titanic y La Máscara del Zorro.  A día de hoy, tenemos como su última banda sonora publicada, El último lobo (2015) del director Jean-Jacques Annaud la cual pone un triste punto y final a la carrera de este excepcional compositor.

Así que paro un segundo y tomo aire solo para decir….

¡¡¡Gracias por tanta música maestro!!!!

El arte de pensar la música

¡Buenas! ¡¿Qué tal? Yo hoy muy contenta, el lunes pasado finalizaron las votaciones para los Premios 20 Blogs y me encuentro en 2ª posición en Música. Muchas gracias de corazón a todos los que con vuestro voto y comentarios habéis ayudado a difundir este pequeño Diario. Ahora sólo queda la deliberación del jurado que el 27 de Marzo anunciará a los finalistas de cada categoría. (¡Crucemos los dedos!) 🙂

Estos días de promoción me han servido para echar la vista atrás en la temática Diario y pensar en la musicología en general. Si me atreviese a resumir esta disciplina, sin dudarlo diría que la musicología trata en gran parte de la música pensada. Ya que además de ser interpretada la música merece y tiene la necesidad de ser contada, reflexionada y explicada. En esta disciplina musical tenemos como categoría reina la historiografía musical, que consiste en el estudio y recopilación de información para elaborar una Historia de la Música siempre en constante actualización a través de la investigación. Pero además de nuestras huellas musicales a lo largo de nuestra historia, hay algo que tiene la música que hace ir más allá. La musicología también es cuantificar la música, hacerla visible y tangible desde todos los aspectos inherentes a la idiosincrasia humana. Aprovecho este punto para especificar a los musiqueros que me preguntáis si se necesita “saber música” para cursar estos estudios, que ésta es una de las razones por las que la carrera de musicología no es eminentemente práctica, ya que estos estudios sirven como puente interdisciplinar con otras materias como la historia, sociología, filosofía… algo así como echar un poquito de sal y pimienta 🙂

Seguramente estaréis pensando que si la musicología es la música pensada ¿Eso quiere decir que es indispensable  unificarla en un pensamiento único? No, igual que en educación hay muchas metodologías, en el Pensamiento Musical sucede forma similar… Es por ello, que hay muchísimas lecturas musicales con a veces (densísimos) pensamientos al aire sobre el hecho musical en general y sus conexiones con determinados aspectos de la vida que hacen abrir la mente a otras maneras de pensar la música (Históricos compositores, filósofos entre otros nos han dejado un legado maravilloso que os animo a descubrir). Seguro que estáis pensando… vale, esto está muy bien ¿Pero dónde puedo encontrar más información y más músicas pensadas? bueno, pues no os preocupéis que os tengo una cosita preparada.

El enlace que os paso, es de la librería El Argonauta en Madrid, es una librería exclusivamente musical en el que podéis encontrar un amplio catálogo musicológico que podéis consultar online ¿No sabes cómo buscar? Piensa en un tema que te apasione y quizá tengas tu nueva lectura a golpe de clik sobre el tema que quieras relacionado con la música 🙂

 http://www.elargonauta.com

¡Hasta el próximo artículo!

¡Theodor Adorno recomienda este artículo!

¡Theodor Adorno recomienda este artículo!

Si te ha gustado esta entrada puedes compartirla mediante los botoncitos que tienes aquí abajo. 🙂 Para terminar, de nuevo muchas gracias a todos por vuestra colaboración y palabras de ánimo en los Premios 20 Blogs. Ahora, ¡me toca esperar! ¿Seré finalista? Espero poder compartir esta buena noticia con vosotros 🙂

¡Aquí podéis encontrarme!

Twitter

@sorybp

Y en Facebook

https://www.facebook.com/diariodeunamusicologa?ref=hl

Poniendo límites a la música : ¿Casting de músicos para las calles de Madrid?

¡Ya estoy aquí! ¡ ¿Qué tal estás dos semanas? ¿Cómo se ha portado la música con vosotros? ¿Y vosotros con ella? Espero que sea como fuere, los pensamientos en música os estén acompañando en el día a día. 🙂

Esta semana os quiero hablar de una noticia con polémica ya que el  Ayuntamiento de Madrid (España) establece  el centro de la ciudad como Zona de Protección Acústica Especial  lo que llevaría al Ayuntamiento a hacer un Casting de Músicos   para obtener el permiso para tocar en la calle.  Ahora bien, con esto uno se plantea unas cuantas preguntas ¿En base a qué se puede decidir quién puede tocar en la calle o no? ¿Quién determina que es apto para amenizar las céntricas y concurridas calles madrileñas o por lo contrario resulta  un plastón para los viandantes? Si algo tiene la calle es que resulta inesperada y espontánea como las diferentes músicas que encontramos en ellas. Coartar sus sonidos es sesgar parte de ella condicionando lo que se oye al gusto de unos pocos. Y yo me pregunto, ¿por qué no hacer un casting para descartar gente que hace de nuestras calles un lugar menos seguro? 

En la música que escuchamos por las calles no están todos los que son pero si son todos lo que están, artistas que nos regalan  un pedacito de música a cada paso que damos esperando de nosotros (a voluntad) algunos céntimos que recompensen su trabajo. Quizá no  nos puedan gustar las músicas que escuchamos pero tan solo nos basta andar unos metros más para sumergirnos en un ambiente sonoro totalmente diferente que nos guste más  ¿No creéis que quizá creando espacios  específicos dónde poder tocar sea más efectivo que seleccionar las músicas que darán vida a las aceras y paseos? Fijaos, siempre hablo de música y contexto  así que me pregunto en el concepto que tiene el ayuntamiento de la música para tod@s.  ¿Qué contexto musical se puede pensar cuando hablamos de un escenario que nos pertenece a todos?  La calle (refiriéndome al espíritu de la misma)  tiene varias analogías con la  música ya que hablamos de  algo intangible.:

Podemos trazar las calles, diseñar los edificios. Podemos en definitiva, escribir las calles en un plano pero ¿ y lo que se vive en ellas? Su ambiente, la vida que acontece entre los jardines de asfalto…Lo mismo sucede con la música, podemos pintarla en una partitura pero la vivencia de la misma es algo indescriptible.

Pero este casting que segrega  música y músicos no solo se puede dar en las calles de Madrid, muchas veces en base a contextos las músicas no son todas las que están  ¿Y si hubiera un casting global en el que se seleccionara  lo que debemos escuchar? Por eso,  si en un concepto tan global como la calle se puede modificar el ambiente musical a golpe de ordenanza no nos queda más remedio  que andar con orejas abiertas, haciéndonos preguntas y ejerciendo de buscadores de músicas en lugares que jamás esperaríamos encontrar la magia del sonido.

Os dejo este blog (que da título al libro del autor)  en el que tenéis consejos para tocar en la calle que resultan muy interesantes  y que aunque no toquéis ningún instrumento, sirven para observar más pensamientos en música desde otro punto de vista  🙂

Diario de un músico callejero de Jose Miguel Vilar – Bou – http://diariodeunmusicocallejero.blogspot.com.es/

Gesamtkunstwerk ! Pequeña reflexión sobre el arte en el inmenso mundo de Richard Wagner

Este año se conmemora el bicentenario del nacimiento Richard Wagner (1813-1883) así que imaginad la fiesta musical que hay en el  Festival de Bayreuth . Como sabréis muchos , este festival tiene su origen en el propio Wagner ya que logró construir un entorno adecuado en el que poder representar su obra  lo que nos da una idea de porqué es   el máximo exponente de la música hasta sus últimas consecuencias. Hoy quiero remarcar un termino que acuñó el propio compositor y que nos puede servir a la hora de pensar en música: Esto es, Gesamtkunstwerk , obra de arte total para nosotros.

Bien, este concepto de obra de arte total que tenía Wagner era un pensamiento lógico viendo la magnitud de su producción artística, en la que además de centrarnos en la creación  musical ¿Por que no extrapolar la puesta en escena a todas las artes posibles? ¿Os acordáis de  lo que os he mencionado en otros artículos sobre la visión de la música como una escultura?  Wagner fué un paso más allá,  ¿Por qué no poner en marcha una maquinaria artística que ayudara representar su obra tal como el la imaginaba ?¿Por qué no condensar todas las disciplinas artísticas en una?  Esto hizo que el compositor se planteara la intepretación de su música como una gran obra  en la que la música es  uno de los  elementos que al unir con las demás disciplinas artísticas  hicieran   que de forma global  el espectador puediera sentir  una experiencia multisensorial  dentro de la plena libertad de Wagner sobre la concepción de su creación musical .  No iba muy desencaminado  dotando tanta importancia a la música como a sus multiples contextos  dejando así  una huella imborrable en el  Pensamiento Musical hasta nuestros días. Pero, ¿Cómo representar esa obra de arte total?

¿Cómo expresar los olores? ¿ Cómo sentir el tacto fresco de la hierba? ¿Cómo traer las olas del mar a tus pies?

Wagner logró  impregnar su pensamiento acerca de la estética del arte debido a su concepto del arte y las artes  plasmándolo  en su  obra, desarrollándola  en varios planos artísticos conceptuales y contextuales pero. ¿Sería posible concentrar  todas las artes o sería inevitable dar a la música el papel principal para que ésta no se diluyera ante la densidad artística? Esto es el  concepto de obra  de arte  total: La experiencia sublime de la estética, de lo bello, del teatro, la filosofía…  aunando la diversificación las artes en una sola como una gran  escultura que se viera desde cualquier horizonte .A lo largo de su producción musical iría centrando su obra  en los recovecos de la  creación musical… ya que la obra de arte total, era mucha obra….

La obra de Wagner  está concebida desde el arrebatador espíruto romántico  siendo  una extensión de su propio yo hasta el infinito  , para que  la sal y el olor a mar de   un  holandes Errante se sintiera  entre las butacas y donde  el sol del atardecer pudiera guardarse en un tarro de cristal.

Creo que a veces, hay  músicas tan grandes que su contexto  se queda  mudo  porque solo desde la primera nota ya envuelve todo lo que toca. Wagner supo entonces  ver con esa mirada tridimensional  haciendo de su  música un  pensamiento perpetuo que llega hasta nuestros días arrasando con todo lo que toca.

Para ampliar:

http://www.wagnermania.com/

http://www.wagneroperas.com/indexwagneroperas.html

¿Por qué hay música que perdura en el tiempo?

¿Nos recordará alguien dentro de 200 años? ¿Mis post-it de trazo cubista pasarán a la historia formando parte del imaginario colectivo? ( Esto… probablente no. ) y  hablando en música ¿Quién decide lo que pasa a la historia? ¿Por qué escuchamos lo que escuchamos de épocas pasadas?

Son sencillas preguntas enmarcadas en el campo de la historiografía musical  que requieren de un espacio para la reflexión. ¿Por qué algunos compositores tienen la categoría de  genios mientras otros pasan de puntillas ante nuestros oidos? ¿Qué es lo que hace de su  música  algo excepcional que no podemos dejar de tatarearla? Johann Sebastian Bach (1685-1750), por ejemplo, no fue un ídolo de masas en su época pero si un reconocido intérprete gozando su hijo Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)  una fama relativa  como compositor superando ampliamente a su padre . Fue el tiempo y la distancia la que hizo ,gracias a que sus hijos conservaron su obra, que la figura  Bach  fuera sumando más adeptos y su música fuera atravesando fronteras.  Su obra, considerada por sus contemporáneos algo  anticuada, hizo que tras el paso de los años , fuera  reconocida por su gran valor  musical y pedagógico. ¡Qué levante la mano quien no haya estudiado preludios y fugas de Bach  con su posterior berrinche! ( y  agradecimiento  años después por haber conocido su obra desde dentro)

bach

Wilhelm Friedemann Bach , hijo mayor de maestro (1710-1784) perdió varias pasiones de Bach para siempre, ¡casi ná!

El tiempo dió la razón a Bach padre pese a que estoy segura de que el no componía pensando en la trascendencia  de su obra: sino en sus alumnos, encargos varios y público afín. Hay cosas que quizá se escapan de nuestro entendimiento porque ¿Y si sus hijos no se hubieran preocupado de salvaguardar su legado musical? (que ya les vale, aún siendo 20 vástagos  se perdió parte de su obra, ¡gracias Wilhelm Friedemann Bach! ) ¿¡Cómo sabemos que estamos dejando caer en el olvido o infravalorando música excepcional? en mi opinión,  la  historia (nuestra historia),  suele dar la razón a a lo que perdura  ya que hay músicas tan grandes que se escapan de nuestro entendimiento  y que en su  escucha producen un sentimiento global  de sobrecogimiento, ¿ no es suficiente evidencia sonora?.  El genio musical puede que sea algo  más grande que la propia música ya que la moldea de tal forma que consigue establecer  un antes y un después en el marco artístico de su época creando  un estilo propio y reconocible.. Para terminar, solo decir que  aunque nos empeñemos en la perfección y el equilibrio armónico lo excepcional es  lo que hace avanzar la  estética de una época.

¿Qué pasará  de 100 años? La verdad es que no lo se, pero abramos oídos a la música ya que somos el conducto de sonidos pasados, presentes y futuros. Que ninguna nota se quede en el limbo fluyendo, como suaves olas en el mar en tierra de nadie.

Nuestro propio pensamiento musical

Muchas veces he utilizado la expresión Pensar en Música que es algo así como planificar una hoja de ruta  adaptada a nuestra propia experiencia musical. La música se puede escuchar pero también nosotros podemos elegir como vivir como relacionarnos con ella. ¿Seremos oyentes pasivos? ¿ O activos?  Nosotros decidimos pero  a veces la experiencia musical llama a la  música  planteándonos cuestiones como ¿Por qué es así esta música? Somos producto de nuestra evolución pero también lo hacemos de los actos del pasado ¿Pensáis que si la historia se volviera a repetir tendríamos la misma música? ¿Nos gustarían los mismos sonidos? ¿La propia naturaleza humana hace que nos sintamos inclinados por determinadas músicas?

Aprender música es una experiencia que nos llena, pero tener nuestra propia idea de ella es algo que hace que  nuestra vivencia musical irrumpa  en la escucha con más fuerza. Con todo esto, ¿existe música perdurable en el tiempo o es la distancia temporal la que hace que ésta llegue hasta nuestros oídos? ¿Qué músicas se quedaron por el camino? Como veis, son muchas las preguntas las que se formulan si hacemos un ejercicio de introspección musical. Si el hombre de a pie tiene tendencias al existencialismo (más allá de un sábado a horas intempestivas  después de la feliz  ingesta de  bebidas espirituosas) respecto a todo lo que le rodea ¿Por qué no la música? Como ya he dicho en otras ocasiones, es nuestra responsabilidad ser oyentes activos de nuestro legado musical para comprender las músicas pasadas, presentes y futuras.  En nuestra  historia más reciente este ejercicio de reflexión musical no ha pasado desapercibido y se ha escrito mucho sobre la naturaleza intrínseca de la música, aunque este espíritu no se ha terminado de inculcar en la actualidad limitándose a un  “no me gusta” en vez de un ¿ “Por qué no me gusta?” 

DE MADONNA AL CANTO GREGORIANO (H4855)

De Madonna al Canto Gregoriano. Nicholas Cook (2005) Alianza Editorial
Siempre recomiendo este librito que lejos de ser una guía de Historia de la Música, es una introducción al “pensamiento en música” del lector

Cuando leí el libro de Nicholas Cook fue un revulsivo musical para mi  que me impulsó a la reflexión acerca de las relaciones que establecemos con la música más allá de su conocimiento histórico y formal. Ésto me ayudó a ahondar en las ideas del  Pensamiento Musical, la estética, historiografía , contextos y la idea de la necesidad del   “Pensamiento en Música”. Nuestro propio Pensamiento Musical hace que la riqueza de lo que escuchamos se ensanche, y que pensar en música en cualquier contexto sea una manera de entender las manifestaciones musicales más allá de la propia música.

Os dejo  la primera parte del libro de Enrico Fubini: “Estética de la Música” (53pag.) en la cual tenéis otro punto de vista sobre la estética y Pensamiento musical. Dentro de estos campos trata cuestiones  muy interesantes ya que en la lectura de: Problemas históricos y estéticos de la música podeis extraer más ideas  que os ayuden a “Pensar en Música“. Aquí tenéis el enlace ( Pulsando aparece a pantalla completa) pero os recomiendo el libro entero ya que hace un repaso aplicando el Pensamiento Musical en la Historia de la Música.

Por cierto, ¿Tenéis el diccionario? ¿A qué esperáis? Para los que no estáis acostumbrados al vocabulario musical pueden aparecer términos musicales que igual os desconozcáis y  sirvan de un excepcional punto de partida para empezar vuestro propio pensamiento musical.

Bibliografía para profundizar:

Enrico Fubini: Estética de la Música. Ed. Antonio Machado (2002) –

¡Dónde encontrarlo?  Librerías especializadas y en Internet facilmente  en webs tipo casa del Libro o Amazón

Apunte extra: Os recomiendo que bucéis en la obra de este autor ya que su línea de trabajo esté en la estética de la música.

De Madonna al Canto Gregoriano. Nicholas Cook. Alianza Editorial (2005)

¡Dónde encontrar? En grandes superficies y librerías de vuestro barrio y a unos 8 euros 🙂

Apunte extra: Además del precio, el libro es pequeñito y se lee fácil y es un excelente punto de partida a la reflexión musical.

Para empezar, estos son los títulos que os sugiero de los muchos y excelentes libros que hay sobre Pensamiento, estética y Música.

¿Preparados para empezar a pensar en Música? 🙂

Quiero aprender música ¿Por dónde empiezo?

En el artículo anterior hablaba sobre perder el miedo al aprendizaje musical ya que la música aunque a veces nos parezca lejana, es  accesible para tod@s. Vale, eso está muy bien pero… ¿Por dónde empezar?

Todo tiene un comienzo. Primero, tenemos que hacer un ejercicio de reflexión ¿Qué esperamos de la música? ¿dónde queremos aplicar lo aprendido? ¿Quieres tocar un intrumento? ¿Qué repertorio quieres tocar? Son muchas preguntas que tenemos que respondernos antes de empezar para poder acudir a las fuentes adecuadas.

Como músico formada en Conservatorio, en Educación  Musical y en Musicología he podido comprobar las diferentes formas para aprender y vivir  música. Visto que ésta se puede presentar de muchas maneras, la experiencia me dice que la forma más efectiva es adaptarla al alumno. El aprendizaje en el Conservatorio da muchas alegrías pero también desvelos. La distancia a aquellos años me hace pensar que pese a la completa formación, ésta no se adapta al alumno dotando el aprendizaje de   una cierta rigidez en la que es el aprendiz  el  que se tiene que adaptar a la música sin darse casi cuenta de lo que pasa alrededor. Cuando yo estudié era algo así como un “la letra con sangre entra”  y con los años,  reconozco que esa adrenalina musical se echa algo de menos porque ,aunque duro,se aprende a sentir la música con mucha intensidad después de un largo proceso (en el periodo de conservatorio, la amas y hay veces que llegas a aborrecerla) .Quizá haya cierta ausencia  de  un ejercicio íntimo  de reflexión musical y  aunque es cierto, y más que el los primeros años, que  el aprendizaje  de  técnica y  teoría es  vital para un músico también   es  igual de importante reflexionar acerca  de nuestro sentir musical y de las relaciones que establecemos con la música  para  ayudarnos  a  pensar qué  músico queremos ser.

Intentad ver la música como un puzzle enorme en el cual no importa  la pieza por la que empeceis, ya que  después de armar las primeras   piezas la curiosidad os pedirá seguir construyéndolo , y las piezas que no conseguíais encajar, un día como  encajarán entre sí casi sin daros cuenta.  Para ello, tenéis que pensar la funcionalidad  de  lo que queréis aprender.

Os pongo ejemplos de este gran puzzle musical. Si entrais en un coro (experiencia que os recomiendo y estoy segura que os acogeran con los brazos abiertos) a veces no es requisito  leer música pero  poco a poco, el cuerpo pide saber ¿Qué estoy cantando?¿Cómo es? Así esta experiencia musical  lleva  a completar tu puzzle con  notas, signos de expresión, ritmos…. es la funcionalidad de tú música.  Poniéndo otro ejemplo, empezáis con un intrumento como la guitarra y antes de nada hay que plantearse estas cuestiones  ¿Qué quereis tocar?¿Para qué? No tenéis nociones de música así que primero hay  familiarizarse con el instrumento ¿Y después? Aprender armonía sencilla con  acordes para podernos acompañar, notas, tonalidades… Nuestro puzzle entonces, empieza por otro sitio y después hasta donde se quiera llegar. Lo importante es saber el qué y por qué queremos aprender. A partir de ahí: la música que quieras hacer.

Entonces, ¿habéis pensado por dónde comenzar vuestro puzzle?  La música es reflexión y una forma de encontrarse con uno mismo. Hay tantas personas como músicas. Tantas músicas como personas.  Todas a un ritmo y formas diferentes pero siempre  formando parte de ella.

Pierre Auguste Renoir: Yvonne y Christine Lerolle al piano (1897)
Aprender música, mejor en compañía. Sea en la web 2.0. o con amigos. que os puedan orientar 🙂

¡Oye! ¡Positivismo musical!

Muchas veces escucho cosas como estas: Que si me encantaría aprender música o tocar algún instrumento pero no tengo tiempo y seguro que se me da muy mal, que si no me atrevo a opinar que seguro que lo que digo es una tontería, que si lo hago muy mal…. 

¡Pero bueno!¡ Ya basta de negatividad musical! La música no es el hombre del saco, qué importa lo que digan los demás si lo importante es lo que ella te puede aportar.  Sea cual sea  el género que te guste, el artista por el que sientas devoción, como cantes o toques un instrumento o las pocas o muchas nociones de música que creas tener… lo importante es disfrutar con lo que haces. Pensar en música es un modo de vida del que todos podemos formar parte en el cual el principal activo somos nosotros  para vencer el  miedo  al enfrentarse a la práctica musical. Los niños son esponjas que absorben como si nada todo el aprendizaje musical sin cuestionarse la complejidad de lo que hacen (y haciendo maravillas) , porque ellos solo tienen claro una cosa, pasarlo bien con la música ¿Y si miramos la música sin prejuicios que nos impidan acceder a ella?  Si la música tiene este caracter universal, quiere decir que es más accesible de los que pensamos 🙂

Entonces, ¿Por qué no nos comportamos como niños y miramos el aprendizaje de la música  de igual a igual? Las personas adultas perdemos con los años la naturalidad ante determinadas situaciones . Los que conservamos la curiosidad quizá mantengamos lo natural del aprendizaje, con sus volteretas y caídas y ese volver empezar que hace sentir mariposas en el estómago. La música es el alimento de los curiosos, porque tras una escucha atenta siempre apetece  buscar e intuir lo que pasa por dentro de lo que escuchamos. ¿porqué no ir más allá de lo audible y atreverse con los diferentes aspectos de la música? 

Tenéis en la red muchas herramientas de aprendizaje que os pueden ayudar y muchas personas estamos encantadas de compartir conocimiento en pequeñas pildoras musicales que nos puedan servir para tod@s . 🙂 ¿Os animáis?

Maria Jesús Pérez Vilar: Donde Todo sucede (1997) Acrílico sobre tabla.
Abrid la puerta de la música, os  encontrareis nuevos paisajes y formas… donde todo puede sueceder.

Atrévete y exprésate en música ¿A qué esperas?

¿Qué tal ha ido con las indicaciones que os dí en el post anterior? Espero que os hayan servido, aunque eso sí, os pido disculpas porque es la primera infografía que realizo. Siempre se me ha dado muy bien realizar materiales para el aula pero esta es la primera vez que utilizo esta técnica. La verdad es que es muy bonito el resultado. Ya iré afinando.

En otro orden de cosas, ¿os habeis fijado a la de gente que es aficionada a la música en uno u otro aspecto? Adolescentes que realizan coreografías, el ejecutivo melómano, el músico de banda, el cantante en la ducha, el coroadicto, los del grupo rociero del barrio, el que se pasa hora mirando videos  de conciertos en youtube, el que se sube sube covers por Internet, los docentes especialistas en música, los que comparten su conocimiento en la red, el que gasta su ancho de banda escuchando música, el que sueña con ser artista, los que escribimos blogs de musicología y  también subimos covers…. bueno, somos tantos que nunca terminaría de enumerar las situaciones porque realmente… es innato nuestro gusto por la música.

La música es el bálsamo de los sentimientos y catalizador de emociones en unas cuantas notas , es quien acompaña para lo bueno y para lo malo y es la que siempre está ahí si no quieres estar solo o quieres estarlo aún más. ¿Por qué alentar la experiencia musical a unos pocos? (los que saben)  Es cierto que no es lo mismo sentir y disfrutar desde  la soltura de toda una vida dedicada a la música   pero, la intensidad no se mide en conocimientos  ¿Quién es capaz de juzgar las vivencias de una persona hacia la música? De un tiempo a esta parte, gracias a las nuevas tecnologías, todos podemos compartir nuestra  experiencia musical. Podemos decir sin miedo   lo que nos gusta y lo que no, podemos aprender de los demás y descubrir maneras de hacerlo mejor. Podemos ser artistas por un día y subirnos un video a Youtube y conversar con más aficionados y músicos de todos los tipos y niveles . Podemos también cantar en un karaoke virtual aunque no atinemos ni una… y podemos simplemente disfrutar.

Y  hacerlo mejor o peor es lo de menos, porque pensar en música nos pertenece a todos y que nadie os diga lo contrario.

Os dejo este corte de Million Dollar Baby de Clint Eastwood para los créditos finales que me ha acompañado mientras escribía…. 🙂

[http://www.youtube.com/watch?v=fQgIQ65XdDU]