Cómo empezar a estudiar paleografía musical. Nociones básicas para futuros musicólogos

¡Hola musiqueros!

¿Qué tal la semana? ¿Intensa? Pues nada, a disfrutar este domingo con música o lo que surja,  Por mi parte hoy os quiero hablar de un tema que ha surgido a raíz de una consulta en el artículo dedicado a la  Paleografía musical. Como muchos sabréis y más si habéis o  estáis estudiando disciplinas relacionadas con la historia, la paleografía se refiere al estudio y análisis de los documentos escritos a lo largo de la historia. Como punta de lanza en esta disciplina, el análisis crítico es vital para realizar hallazgos que permitan completar la máxima información posible del documento fruto de estudio para clasificar y enmarcarlo en la historia.

Respecto a la paleografía musical, se centra exclusivamente en el estudio de la escritura musical lo que requiere grandes conocimientos sobre notación musical e historia de la música. A veces este estudio no está tan claro como echar un vistazo a un documento de canto gregoriano con notación cuadrada, donde es relativamente sencillo localizar el texto, estructura, así como hacernos una idea de su composición rítmica gracias al lenguaje. Muchas veces no está en cuestión de observar si se trata de un penta o tetragrama, o diferenciar una clivis de un punctum sino de una labor de estudio todavía más profunda ya que nos podemos encontrar documentos donde los neumas, no estaban sobre líneas adicionales sino sobre el texto a modo de recordatorio. ¿Cómo interpretarlo? ¿Cómo llegar a estas conclusiones? Es el estudio del documento lo que hace llegar a las diferentes conclusiones siempre bajo un riguroso análisis crítico. ¿Podemos hacer, nosotros, neófitos en la materia un análisis crítico? ¡Por supuesto! Para ello, es necesario argumentar y no aseverar valiéndose del propio conocimiento y de los estudios que precedan al nuestro porque así podremos sustentar nuestra teoría.

Como veis, el estudio de la paleografía histórica musical requiere de un bagaje cultural previo que ayude a conectar conceptos así como una metodología básica de investigación ya que esta disciplina no es solo el estudio de paleografría per sé ya que se trata de un campo multidisciplinar en el que confluyen historia, música e investigación en el que todos, estudiantes y expertos tienen algo que aportar.

Como musicóloga pienso que la bibliografía básica del estudio de la paleografía musical son las diferentes líneas de investigación así como la constante puesta al día de los nuevos descubrimientos documentales y la adquisición de una buena base en metodologías de investigación histórico musical.

A continuación os adjunto algunas referencias interesante que os pueden ayudar a profundizar sobre el tema.

¡Hasta el próximo artículo!

 

Referencias interesantes:

El Blog de Beatriz Montes (enlazo a artículo sobre notación bizantina)

ARRIBAS ARRANZ, F. Paleografía documental hispánica, 1968

No hay paleografía musical sin estudio de la notación musical 

Documental sobre la historia de la notación musical

 

Para pensar y contextualizar:

FUBINI, ENRICO: Estética de la Música, 2002

COOK, NICHOLAS. De Madonna al canto gregoriano: una muy breve introducción a la música, 2001

CLANCHY, J y BALLARD, B.: Cómo se hace un trabajo académico. Guía práctica para estudiantes universitarios (1997), Zaragoza, Prensas Universitarias de Zaragoza, 2000

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Poniendo límites a la música : ¿Casting de músicos para las calles de Madrid?

¡Ya estoy aquí! ¡ ¿Qué tal estás dos semanas? ¿Cómo se ha portado la música con vosotros? ¿Y vosotros con ella? Espero que sea como fuere, los pensamientos en música os estén acompañando en el día a día. 🙂

Esta semana os quiero hablar de una noticia con polémica ya que el  Ayuntamiento de Madrid (España) establece  el centro de la ciudad como Zona de Protección Acústica Especial  lo que llevaría al Ayuntamiento a hacer un Casting de Músicos   para obtener el permiso para tocar en la calle.  Ahora bien, con esto uno se plantea unas cuantas preguntas ¿En base a qué se puede decidir quién puede tocar en la calle o no? ¿Quién determina que es apto para amenizar las céntricas y concurridas calles madrileñas o por lo contrario resulta  un plastón para los viandantes? Si algo tiene la calle es que resulta inesperada y espontánea como las diferentes músicas que encontramos en ellas. Coartar sus sonidos es sesgar parte de ella condicionando lo que se oye al gusto de unos pocos. Y yo me pregunto, ¿por qué no hacer un casting para descartar gente que hace de nuestras calles un lugar menos seguro? 

En la música que escuchamos por las calles no están todos los que son pero si son todos lo que están, artistas que nos regalan  un pedacito de música a cada paso que damos esperando de nosotros (a voluntad) algunos céntimos que recompensen su trabajo. Quizá no  nos puedan gustar las músicas que escuchamos pero tan solo nos basta andar unos metros más para sumergirnos en un ambiente sonoro totalmente diferente que nos guste más  ¿No creéis que quizá creando espacios  específicos dónde poder tocar sea más efectivo que seleccionar las músicas que darán vida a las aceras y paseos? Fijaos, siempre hablo de música y contexto  así que me pregunto en el concepto que tiene el ayuntamiento de la música para tod@s.  ¿Qué contexto musical se puede pensar cuando hablamos de un escenario que nos pertenece a todos?  La calle (refiriéndome al espíritu de la misma)  tiene varias analogías con la  música ya que hablamos de  algo intangible.:

Podemos trazar las calles, diseñar los edificios. Podemos en definitiva, escribir las calles en un plano pero ¿ y lo que se vive en ellas? Su ambiente, la vida que acontece entre los jardines de asfalto…Lo mismo sucede con la música, podemos pintarla en una partitura pero la vivencia de la misma es algo indescriptible.

Pero este casting que segrega  música y músicos no solo se puede dar en las calles de Madrid, muchas veces en base a contextos las músicas no son todas las que están  ¿Y si hubiera un casting global en el que se seleccionara  lo que debemos escuchar? Por eso,  si en un concepto tan global como la calle se puede modificar el ambiente musical a golpe de ordenanza no nos queda más remedio  que andar con orejas abiertas, haciéndonos preguntas y ejerciendo de buscadores de músicas en lugares que jamás esperaríamos encontrar la magia del sonido.

Os dejo este blog (que da título al libro del autor)  en el que tenéis consejos para tocar en la calle que resultan muy interesantes  y que aunque no toquéis ningún instrumento, sirven para observar más pensamientos en música desde otro punto de vista  🙂

Diario de un músico callejero de Jose Miguel Vilar – Bou – http://diariodeunmusicocallejero.blogspot.com.es/

Gesamtkunstwerk ! Pequeña reflexión sobre el arte en el inmenso mundo de Richard Wagner

Este año se conmemora el bicentenario del nacimiento Richard Wagner (1813-1883) así que imaginad la fiesta musical que hay en el  Festival de Bayreuth . Como sabréis muchos , este festival tiene su origen en el propio Wagner ya que logró construir un entorno adecuado en el que poder representar su obra  lo que nos da una idea de porqué es   el máximo exponente de la música hasta sus últimas consecuencias. Hoy quiero remarcar un termino que acuñó el propio compositor y que nos puede servir a la hora de pensar en música: Esto es, Gesamtkunstwerk , obra de arte total para nosotros.

Bien, este concepto de obra de arte total que tenía Wagner era un pensamiento lógico viendo la magnitud de su producción artística, en la que además de centrarnos en la creación  musical ¿Por que no extrapolar la puesta en escena a todas las artes posibles? ¿Os acordáis de  lo que os he mencionado en otros artículos sobre la visión de la música como una escultura?  Wagner fué un paso más allá,  ¿Por qué no poner en marcha una maquinaria artística que ayudara representar su obra tal como el la imaginaba ?¿Por qué no condensar todas las disciplinas artísticas en una?  Esto hizo que el compositor se planteara la intepretación de su música como una gran obra  en la que la música es  uno de los  elementos que al unir con las demás disciplinas artísticas  hicieran   que de forma global  el espectador puediera sentir  una experiencia multisensorial  dentro de la plena libertad de Wagner sobre la concepción de su creación musical .  No iba muy desencaminado  dotando tanta importancia a la música como a sus multiples contextos  dejando así  una huella imborrable en el  Pensamiento Musical hasta nuestros días. Pero, ¿Cómo representar esa obra de arte total?

¿Cómo expresar los olores? ¿ Cómo sentir el tacto fresco de la hierba? ¿Cómo traer las olas del mar a tus pies?

Wagner logró  impregnar su pensamiento acerca de la estética del arte debido a su concepto del arte y las artes  plasmándolo  en su  obra, desarrollándola  en varios planos artísticos conceptuales y contextuales pero. ¿Sería posible concentrar  todas las artes o sería inevitable dar a la música el papel principal para que ésta no se diluyera ante la densidad artística? Esto es el  concepto de obra  de arte  total: La experiencia sublime de la estética, de lo bello, del teatro, la filosofía…  aunando la diversificación las artes en una sola como una gran  escultura que se viera desde cualquier horizonte .A lo largo de su producción musical iría centrando su obra  en los recovecos de la  creación musical… ya que la obra de arte total, era mucha obra….

La obra de Wagner  está concebida desde el arrebatador espíruto romántico  siendo  una extensión de su propio yo hasta el infinito  , para que  la sal y el olor a mar de   un  holandes Errante se sintiera  entre las butacas y donde  el sol del atardecer pudiera guardarse en un tarro de cristal.

Creo que a veces, hay  músicas tan grandes que su contexto  se queda  mudo  porque solo desde la primera nota ya envuelve todo lo que toca. Wagner supo entonces  ver con esa mirada tridimensional  haciendo de su  música un  pensamiento perpetuo que llega hasta nuestros días arrasando con todo lo que toca.

Para ampliar:

http://www.wagnermania.com/

http://www.wagneroperas.com/indexwagneroperas.html

Música, el diario del mundo.

Explosión de combinaciones de sonidos nunca escuchados,  nuevas ideas que se escapan de lo que se describe en una partitura, un pensamiento diferente y nuevo. ¿ Por qué no darle una vuelta de tuerca a la música? La música clásica nos cala hasta los huesos, es emocionante y maravilla las cotas de perfección y belleza que puede alcanzar, pero el mundo cambia y las sonoridades también. La música del S. XX se caracteriza por ser un crisol de sonidos, nuevas grafías  y reflexiones musicales fruto de la perspectiva de la historia. Hasta principios del siglo pasado, la música fué fluyendo cómoda y galante en su equilibrio total, pero el mundo comenzó a girar cada vez  más rápido y con más fuerza y con el, ideas , perspectivas y ganas de mirar la realidad de una forma diferente.

Y la música se fue convirtiendo en escultura, arquitectura, pintura, imagen y en definitiva, cualquier soporte en el que todos los sentidos formaran parte.

En 1865 el  preludio de” Tristán e Isolda” de Wagner marcó el fín de la tonalidad, el exotismo de modal de Puccini, el sentido onírico de Debussy cuya estética lleva a lugares perdidos en los sueños fué llevando a la búsqueda incesante de nuevas formas de expresión musical  que desembocaría en un mundo de vanguardia que empezaría a desarrollarse más profundamente en el primer tercio del S. XX . Paralelamente, la vida en general, fue cambiando a un ritmo verteginoso. ¿ Cómo no iba afectar este hecho al arte en general? ¿Cómo expresarse en un mundo que empieza a cambiar sin darnos  apenas tiempo a alcanzarlo? Y como fuegos artificiales, la música explotó en en miles de ramilletes luminosos en el transcurso de una nueva historia.

Hago un breve apunte de una de las muchísimas nuevas corrientes musicales  que siempre me ha llamado la atención:  La democratización del sonido y la rebeldía tonal.

El compositor Arnold Schönberg, ideó en 1923 el “Método de Composición de doce Sonidos” dando  lugar a la música dodecafónica y más tarde al serialismo gracias a sus famosísimos discípulos, compositores de la talla de  Webern y Alan Berg. En este sistema, los 12 sonidos que componen cada escala cromática son tratados por igual.

No hay equilibríos, no hay sonidos que imperen sobre otros, no hay finales ni principios que podamos reconocer. Schönberg hizo que todos los sonidos de cada serie dodecafónica tuvieran la misma importancia: sin repeticiones, 12 sonidos, 12 impulsos. Este estilo de composición  podemos intuir que  está alejada de la  música tonal (donde nuestro oído se encuentra cómodo y encuentra su propio equilibrio), pero este hecho, permite ver la música desde un punto de vista diferente. El dodecafonismo tiene una doble estructura, por una parte es una vuelta de tuerca a la naturaleza del sonido y a la organización del mismo pero  por otra, es una declaración de intenciones.

Después de haber pasado una I Guerra Mundial el dodecafonismo de Schönberg adquiere un nuevo significado gracias a su contexto. Es música, es igualdad en un mundo enfrentado entre sí, es paz.  Todos somos iguales, no hay superioridades, en la ausencia tonal que crea el desequilibrio del sonido  se encuentra un equilibrio interno que quizá a primera vista parece un amasijo  de notas. Pero, ¿no os parece  que es mucho más que eso? Es la reinvindicación de la  la igualdad y  del cambio de tercio  desde las entrañas de la música. Es el CAMBIO con mayúsculas. Otra visión, otros ojos, pero sin embargo siempre música..

Como él, los músicos contemporáneos  crearon formas nuevas de sentir y de expresarse en música: Locas, ilógicas, increibles, sorprendentes…  cuya intencionalidad es en muchos casos es desconcertante. Pero acaso,¿no es maravilloso el poder que ejerce la música? La música y  el arte en general es moldeado por los cambios lógicos de una época ¿y nosotros?

La música es el sonido del corazón del mundo.

Autorretrato azul (1910) Arnold Schönberg.
Los ojos de músico dentro de los ojos del músico.

¿Interpretamos y escuchamos la misma música?

Sería muy difícil de explicar lo que uno siente cuando “hace música” o se emociona con ella y estoy segura que esto ocurre en todos los contextos musicales posibles. Cada persona crea un vínculo especial y único. En Twitter comentaba sobre la intencionalidad de la música pero un tuitero me recordó que no es la intencionalidad de la música solo la que hay que tener en cuenta sino también la del oyente y añado, la del ejecutante.

Esto me hizo reflexionar sobre la relación bidireccional de la música. La música sobre el oyente y el oyente sobre la  música. ¿Podemos cambiar el sentido de una música? ¿Hay una percepción realmente objetiva de ella? Podemos, como ha he dicho en otras ocasiones, mirar la música con ojos curiosos como quien mira una escultura con muchas aristas. Pero..aunque queramos mirarla así, ¿podríamos decir que lo único objetivo de la música es lo que hay escrito en una partitura?

Supongamos que tenemos que interpretar esto:

Tenemos una clave de sol y un pentagrama que indica la altura de las notas: Mi – Mi. También atrapado entre líneas está el compás 2/4 y también se podría indicar la velocidad exacta indicado con un número que indique el pulso de negra en el extremo superior. Estos conceptos están claros.

¿Y ahora? Ahora llega la magia.

Imaginaros que tenemos que interpretar este pasaje:

Veamos, tenemos el compás, la clave, el pentagrama, las notas que indican su duración… ¿y esos signos a los pies de cada pentagrama? Son signos de intensidad que  indican como tocar o cantar este pasaje. Vamos a centrarnos en el  tercer pentagrama. Estos signos dan pautas de  la intensidad de las  notas. Así  estos compases han de tocarse como si fuera una ola, de menos intenso a más en en la nota central (f) hasta diluirse en el último sonido.

Los que interpretamos música sabemos perfectamente como ejecutar un piano (p) .Significa que tenemos que hacerlo dulce y suave, conteniendo el peso de la mano para contener el sonido (hablo pensando en el piano, pero se puede extrapolar a cualquier instrumento incluida la voz) pero… ¿son todos los p iguales para todos?¿A lo largo de la historia de la notación el concepto de  p ha sido el mismo? Partimos de la base, claro, que la inclusión de estos signos fueron fruto de la necesidad del compositor y ejecutantes para poder ponerle forma física a lo que no se ve de la música.

La magia de la interpretación musical (porque un músico no toca una obra, la interpreta) es esta. Hay cosas que son seguras en una partitura, pero otras no se han logrado cuantificar no siendo algo cerrado. Aunque tengamos claros todos los signos musicales en una partitura¿Cómo sabemos que todos tenemos el mismo? ¿Será igual  hacer un p un día aciago que un día en el que parece que tu mundo se ha vuelto del revés? Quizá en la partitura habría que crear nuevos signos para los sentimientos para que ésta estuviera más completa, pero ahí está lo que no se puede cuantificar y por lo que la música adquiere ese halo de magia en cada interpretación. Es muy difícil que existan dos interpretaciones iguales de una misma música, porque son diferentes las manos que la tocan, el sentimiento que imprimen y la relación bidireccional que se establece entre ambos. Es por eso, que el sonido es magia y la escucha del mismo ha de ser atenta porque de dos interpretaciones aparentemente iguales puede haber un mundo entre ellas  porque no todos los aspectos de la música están escritos. Si la música pasa de manera superficial por nuestros oídos, escuchamos media música haciendo que  la otra mitad se pierda , como si fuera un eco lejano.

Edgar Degas. Músicos de la Orquesta (1872)
Con esto se puede imaginar la importancia del director del orquesta en la búsqueda del sonido y pensar de la importancia cuando un compositor dirige su obra es un momento mágico. ¿Os imagináis ver y escuchar el sonido de Wagner dirigiéndo su producción musical?

Pequeñas pautas para reflexionar sobre la música que escuchamos.

Hoy quería escribiros unas sencillas pautas para aplicar  cuando esteis escuhando música que os horrice u os encante. Como ya  he hablado en anteriores post, nuestra memoria musical se compone de esas esculturas musicales que vamos incluyendo en ella haciendo una base de datos enorme  de todo lo escuchable y por escuchar a lo largo de nuestra vida

Para crear este museo musical  que nos ayude a comprender mejor las manifestaciones musicales tenemos que hacer un análisis un poco más prefundo que nos permita entender que estamos escuchando y a partir de ahí hacernos una idea que nos ayude a reflexionar con criteriotodo lo que pase con nuestros oidos  independiente evitando así  hacernos ideas llenas de prejuicios que nos lleven opniones superficiales  sin fundamento.

Bueno, pues vamos a empezar, ¿no? Este pequeño análisis lo podemos aplicar a cualquier repertorio  aplicándolo a la estética de la música sin necesidad de hacer un análisis formal (esto es, el análisis de música en aspectos más técnicos que nos ayuden a entenderla mejor) Como mi objetivo es  ayudar a  entender y comprender  la expresión musical independiente de nuestro conocimiento musical (que aún sin saber aspectos formales de la música no es poco, solo hay que poner un poco de interés), pretendo hacer un primer acercamiento a  un análisis reflexivo al alcance todos que nos permita pararnos un poquito a pensar y reflexionar sobre qué estamos escuchando.

Para ello, os he preparado una infografía en el que podeis hacer un pequeño análisis musical sobre lo que estamos escuchando, su contexto, antes de ensalzar y o deshechar lo que escuchamos. En definitiva, se trata de entender la música y  el significado de la mismo independientemente que nos guste más o menos.

Aquí, la teneis, si haceis clik sobre la imagen podeis verla a tamaño completo y ver las opciones para compartirla en las redes sociales que querais.

Análisis Musical1

Espero que os guste  y que intenteis  ponerlo  en práctica para pensar siempre en música. En la música de y para todos 🙂

Contexto dentro del contexto: Pavana para una Infanta Difunta: Maurice Ravel

Esta pieza de Maurice Ravel (1875-1937) fue compuesta en el año 1899 inicialmente para piano y después arreglada para orquesta unos años después. Enmarcada en un estilo impresionista a caballo entre el romanticismo y el estallido estilístico que se iniciaría en el siglo XX es una obra que tiene atisbos neoclásicos, esto es, evocar estilos de tiempos pasados trayéndolos al contexto musical actual en tanto composición y armonías pero nunca difuminando de forma completa su forma original.

Esto hace que tengamos un contexto dentro de otro contexto. Ravel mezcla la sutileza de las evocadoras y delicadas melodías impresionistas y la Pavana. ¿Pero qué era una pavana? Una pavana (y su forma musical) era una danza lenta  que se bailaba en la corte española en el S. XVI y que sobrevivió con el paso del tiempo… pero eso ya es otra historia.

Marice Ravel se inspiró  en  los movimientos delicados de una infanta en la corte española bailando esta danza. Dentro del contexto histórico musical de Ravel, nos lleva a otro contexto histórico en el que la imaginación hace el resto. Nos hace viajar en el tiempo, de su realidad a otra realidad ya pasada donde  insta visualizarlo con la nostalgia  de unos ojos contemporáneos. Parece que Ravel evoca a una infanta, entre tantas, que no llegaron a la edad adulta (solo hay que pasarse por el Monasterio del Escorial en Madrid para ver el panteón de los infantes fallecidos) en la que en  el lento baile palaciego se puede apreciar los tímidos movimientos de una niña, de su vestido, su pelo… envuelto en una melodía tan bella como fúnebre conviertiéndose en  una secuencia etérea que nos llega a través de la música. Ravel no especifica a quién porque realmente no es a un quién… es un esbozo para que nosotros hagamos el resto, como si leyésemos una novela.

Así, nos viene de nuevo la idea del contexto musical, social y cultural base para entender la música pasada, presente y venidera.

Podeis escuchar la Pavana de Ravel y éste ejempo de Pavana del  Renacimiento que he puesto (no me especifica el autor). No se diferencian , tanto ¿no? Quizá el compositor, nos traslada a la atmósfera más allá de la danza o más allá de lo que no se ve en un cuadro.

Como curiosidad, dejo una frase que se atribuye un Maurice Ravel cansado de la excesiva lentitud con la que se interpretaba su obra…

Es “Pavana para una infanta difunta”, y no “Pavana difunta para una infanta”.

¿Por qué nos gusta la música que nos gusta?

A mi me gustan mucho los musicales,  las bandas sonoras de películas, canciones  de todos los estilos que descubro, grandes (y pequeños) autores clásicos … ¿Y a vosotros? ¿Qué os gusta?  Me encanta escuchar nuevas músicas para incorporarlas a mi museo especial de esculturas musicales para analizar y comprender y si me gusta, la archivo en mi memoria dándole un sitio especial. ¿Nunca os habeis planteado qué indicadores hacen que os gusten las músicas (sí, en plural) que os gustan?

La música es un ente social y cultural que también podemos moldear, expandir y contraer. Somos lo que nuestro entorno escucha, por lo que  nuestro oido adquiere una zona de confort en la que se siente cómodo en determinadas frecuencias sonoras. Nuestras  querencias musicales  se  mueven  de forma natural hacia lo que  se recuerda, a lo que  retrotrae a otros momentos, dotando a nuestra capacidad auditiva una nueva  memoria y recuerdos que no quiere olvidar. Así, los nuevos sonidos se construyen sobre los ya establecidos haciendo que las nuevas melodías fluyan sobre aquello que recordamos agradable en su escucha, lo cual  nos induce a tatarear  y bailotear cuando nadie nos ve. La sociedad en la que vivimos nos pone la base para que descubramos la música pero después en nosotros está la responsabilidad para  darle vidilla a nuestra memoria musical, alimentándola de nuevas experiencias auditivas que nos hagan un “clik” para alucinar con lo que puede hacer el ser humano. Sí, además  ser capaces de lo más terrible,  también  somos de crear lo  más hermoso.

Con esto, podemos ir reflexionando de lo  más particular a lo más general, partiendo de lo que escucha un  pequeño pueblo perdido en nuestra geografía hasta el imaginario colectivo a nivel planetario. Claro que nos puede surgir la preguntas como esta ¿Por qué entonces el Gagnam Style del grupo PSY se convirtió en  un fenómeno a nivel mundial viniendo nada más ni nada menos que de Corea del Sur cuya cultura es muy diferente a la occidental? Como he dicho, la música es una amalgama de vivencias, y eso es lo que nos une y lo que nos separa. Un surcoreano probablemente nunca haya escuchado una Jota y su escucha le parezca un aburrimiento mientras que en Zaragoza en alguna asociación Folklórica se reunen todos los fines de semana para tocar siendo el disfrute de todos los allí presentes. Obviamente, eso no nos une ni nos sentimos indentificados con recuerdos y vivencias.  Pero la música tiene eso, siempre hay algo, una tecla, ese “clik” que hace que los oidos se conviertan en solo uno… en Kinsasa, en Madrid, en Nueva York, en Tokio, en Sidney, en Rabat…. que une oidos y sentimientos. Los  grandes  clásicos saben mucho de eso…son universales.

Este tema sobre cultura y música se trata ampliamente en una de las ramas de la musicología, la etnomusicología, en la que se hace una reflexión profunda sobre sociedad, antropología y música, los vínculos que establecemos con ella y cuánto puede influir nuestro lugar de nacimiento  sobre nuestras preferencias musicales entre muchísimos temas muy interesantes. Si tuviera que profundizar más sobre mi cuestión inicial, nunca terminaría este hilo lleno de divagaciones y preguntas que van a pareciendo a cada momento y que llevan a más  interesantes reflexiones. Así que por hoy creo que es suficiente, nuestro gusto musical está influenciado por el lugar de origen pero es nuestra labor ampliar más y más nuestra memoria musical aplicando lo dicho en post anteriores en el que resalto la importancia de la música y contexto.

¿Aún queda la duda de hay que mirar la música con otros ojos más allá de una vista superficial?

(He encontrado en red este Slide sobre musicología y etnomusicología por si quereis ampliar, también hay bibliografía específica  que os puedo aconsejar que a mi me pareció muy interesante)