Categoría: Estética musical

El análisis iconográfico e iconológico de Panofsky y la musicalidad Descubriendo la musicalidad a través del método de análisis de Panofsky

Soraya Bartoloméanálisis estético

Hola musiqueros!

Hoy vengo hablaros de un tema que cuando lo estudié en su momento me maravilló. En post anteriores he hablado  del concepto de  musicalidad y como interiorizarlo es vital para entender e interpretar la música como si fuera una escultura sonora desde todos sus puntos de vista. Un buen intérprete, director de coro u orquesta, musicólogo o estudiante entenderá la música no como algo superficial, sino como un sentimiento que se expande desde dentro hacia fuera que logrará ser percibido por un tercero sin necesidad de explicaciones superfluas. La ausencia de musicalidad, es por tanto, la visión parcial de la música tanto a nivel interpretativo como analítico.

Este concepto de musicalidad, tan dificil de explicar pero tan fácil de interpretar cuando la música fluye por las venas, es muy parecido al análisis en la interpretación de una obra artística que propone el historiador del arte alemán Erwin Panofsky (1892-1968).

Retrato de Erwin Panofsky (Philip Pearlstein, 1993)

Para Panofsky análisis de una obra pictórica se realiza en tres niveles: Preiconográfico, iconográfico e iconológico estableciéndonos en cada nivel una serie de preguntas que expongo a grandes rasgos:

  1. Preiconográfico: ¿Qué es lo que veo?¿Qué hay?
  2. Iconográfico: ¿Qué significa lo que veo?¿Cómo se interpreta?
  3. Iconológico: ¿Qué quiere decir lo que está representado teniendo en cuenta el contexto histórico y social del artista?

Este estudio una obra artística que propone Panofsky, es además es una de las metodologías de análisis aceptadas en la historiografía del Arte pues contiene varios niveles de análisis que convierten una obra en algo que no es estático transformándolo en una escultura pictórica a analizar en todos sus planos y aristas. Ahora, si volvemos al tema de la musicalidad teniendo en cuenta lo anterior ¿Un músico analiza lo que lee? ¿Un músico interpreta lo que lee? ¿La contextualización de la música ayuda a su interpretación? ¡Claro que sí! En mi opinión, la musicalidad de una persona responde a estas preguntas sin necesidad de pensar sus respuestas ya que es algo innato e inherente a un músico o a las personas que poseen esa sensibilidad musical. Pues la musicalidad no es solo sentir, es responder adecuadamente a la música y sus contextos desde la cabeza, pero también desde el corazón.

¡Hasta el próximo artículo!

Nota: Como muchos habréis observado este análisis es muy parecido a los diferentes tipos de análisis que se pueden realizar en una partitura: formal, interpretativo e histórico. ¿Encuentras las analogías? En mi opinión, los tres planos de análisis de Panofsky se pueden aplicar a todas las artes en general pues el arte no es solo una capa, son muchas, por muy superficial que a veces nos pueda parecer las diferentes manifestaciones artísticas.

Bibliografía interesante:

Renacimiento y renacimientos en el arte Occidental (Erwin Panofsky)

Diccionario de Iconografía y Simbología (Ernesto Revilla)

 

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¿Evoluciona la música que escuchamos? La música evoluciona y nosotros con estos pelos.

Soraya BartoloméEstética musical

¡Hola musiqueros!

Empezamos Octubre y lejos van quedando los ritmos y músicas veraniegas, nos preparamos para dar la bienvenida al Otoño y a la puesta del alumbrado de Navidad ( un clásico de todo Otoño español).

Hoy os quiero hablar de una pregunta muy habitual que suele surgir en debates sobre música que nunca llega a responderse y a  veces no llega traspasar la frontera de: “pues el reaggeton es una mierda” y “tú más”.

¿La música evoluciona? Claro, que sí. La música no termina en las vanguardias con la ruptura tonal en el dodecafonismo por poner un ejemplo. A partir de la segunda mitad del S. XX el hacer musica levoluciona de una manera espectacular y explota en tantas músicas diferentes que revoluciona hasta la forma de escribirla porque….  ¿cómo escribir sensaciones y nuevos sonidos?¿Quién dice que la música tenga que ser tonal? ¿ordenada? ¿con estructura simétrica? ¿Quién dice que la música no pueda ser un golpe en la mesa, una cuerda de violín rota o una brisa veraniega? ¡La música puede ser tantas cosas! Y eso lo que pasa con la música en circuitos académicos o “cultos” (qué mal me suena esa denominación #arcaicotime). Son músicas que también son esculturas para mirar a través de ellas de múltiples facetas e interpretaciones. Concebidas no para gustar sino como un potente vehículo de expresión personal e interior por parte del compositor.

Vale, muy bien ¿Y las músicas urbanas, qué? La música popular que oímos hoy día, podrá gustar más o menos pero si tomáramos en cuenta todos sus subgéneros sorprendería comprobar que son fruto de una constante evolución a lo largo de los años creando vínculos inimaginables entre ellas. Algunas ramificaciones han ido evolucionando hasta nuestros días, y otras se quedaron allí convirtiéndose en estilos que son un icono representativo  y evocador de una época. ¿Os imagináis un pasodoble reaggetonero fusión latino pop?? A día de hoy y estando sobria me parece imposible imaginarlo, pero nuestro pasodoble español sigue ahí impertérrito, eterno invitado de honor en todas las fiestas de guardar invariable a través del tiempo. Respecto a los sonidos que han llegado hasta nuestros días desafiando al tiempo son producto de músicas, de prueba y error, con pequeñas variaciones que a veces son tan imperceptibles que nos pueden parecer la misma aburrida música pero que después al mirarla con perspectiva y con el tiempo a nuestro favor resultan una increíble torre de babel musical que representa lo mejor , ¿Y lo peor?  de nosotros como seres con tendencia a la música. Pero no, nunca lo peor porque cada música tiene su lugar y su momento porque mientras la música sea un cúmulo de inesperados y locos caminos, es que algo estamos haciendo bien.

 

¡¡Hasta el próximo artículo!!

Vale, hay veces que me quedo sin palabras. ¿Y si os digo que es Urban chic latino actors studio naif playback meneito? Eso sí , lo de evolucionar no hace falta....sin prisa, ¿eh?
Vale, hay veces que me quedo sin palabras. ¿Y si os digo que es Urban chic latino actor’s studio naif playback meneito? Eso sí , lo de evolucionar no hace falta….sin prisa, ¿eh?

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¡La canción verano ya está aquí! Reflexiones y desventuras sobre la música veraniega

Soraya Bartoloméactualidad

¡Hola! Lo reconozco, me estoy asando del calor y ha costado un poco ponerme frente al ordenador. He estado pensando acerca de los muchos temas pendientes de los que tengo para escribir, pero hoy con tanto calor solo se me viene a la cabeza el tema de la canción del verano. He tirado de memoria y pensando en las canciones del verano recientes y pasadas, me ha venido a la cabeza el concepto que tendrían nuestros antepasados sobre la canción del verano. Tirando de memoria histórica, quizá la tatarabuela de esta música estival, sería una música más liviana al repertorio de la época. melodías en forma de pequeñas canciones (menos densas que un lied) que podrían amenizar el salón de un hogar a golpe de tecla. Me imagino, ya en el S. XIX cuando la música comenzaba a llegar a muchos hogares gracias al piano, a las señoritas victorianas pasándose tal o cuál partitura recién traída por el editor más rápido y avispado. Hoy día, la música es global, sabemos lo que se escucha al otro lado del charco  hecho que comenzó a extenderse de una manera más rápida a principios del S XX, con la aparición de los nuevos soportes de reproducción mecánica de la música que  fueron gestando esas canciones que convertirían esos oídos en sólo uno. Muchas maravillas fueron las que fueron perfilándose como las canciones estrellas de esos años, Imagino que muchas de ellas, lograrían destacar entre las demás como las que desde tiempos inmemoriales suenan en las ferias y verbenas de nuestro país. Y no, no me refiero a Paquito Chocolatero. Paquito Chocolatero, es el padre de la canción del verano por excelencia, compuesta en 1937 por el alicantino Gustavo Pascual Falcó para las fiestas de moros y cristianos de su pueblo.  Ya en los años 40 se le añadió el Jeee! y el golpe de pelvis así que el resto, ya es historia única e irrepetible de este pasodoble y su coreografía ibérica por excelencia.  Por todo esto, existen las canciones del verano y después, 1000 pasos más adelante nuestro Paquito, ¡son palabras mayores!

A todo esto, y haciendo analogía con la situación política en España, las canciones del verano son algo así como las elecciones,  no son la lista más votada, pero al final acaban gobernando… el verano. Yo misma reconozco que no me gustan, las acepto, pero es verdad que en una calurosa noche de verano, donde las cervecitas corren por el cuerpo en forma de dulce antídoto etílico para el calor, bailar sus anacrónicos ritmos y corear sus profundas letras, produce una limpia de aura que dura para toda la semana. ¡Ya me gustaría componer una canción del verano para pagarme las vacaciones de los próximos 5 años! Para una buena canción del verano, se necesita una estructura armónica  con los grados veraniegos por excelencia (I-IV-V) . Les añadimos unas modulaciones, para generar un subidón de órdago y por úlitmo, añadimos algo de dramatismo con una buena letra que eche el resto en los estribillos:

1. “mayonesa, ella me bate
como haciendo mayonesa
todo lo que había tomado
se me subió pronto a la cabeza”

2. “Follow the leader, leader,leader
Follow the leader ¡Sígueme!

3. “Y aquí se viene el africano con el baile que es una (bomba)
Para bailar esto es una (bomba)
para gozar esto es una (bomba)
para menear esto es una (bomba)”

4. “Te envío poemas de mí puño y letra
Te envío canciones de 4.40
Te envío las fotos cenando en Marbella
Y cuando estuvimos por Venezuela
Y así, así me recuerdes y tengas presente
Que mi corazón está colgando en tus manos”

5. “Tsamina mina, eh eh, waka waka, eh eh
Tsamina mina, zangaléwa, anawa ah ah
Tsamina mina, eh eh, waka waka, eh eh
Tsamina mina, zangaléwa, porque esto es África”

¡Creo que estoy emocionada!

En definitiva, con esto os quiero decir que hay música para pensar, para disfrutar y reir dependiendo siempre de su contexto. ¿Estás que no puedes dormir por la emoción de cual será la canción del verano para desplegar todos tus encantos? Pues encantada, te animo a que me lo cuentes por en este blog. ¿Odias las canciones del verano y las salidas estivales te parecen un plastón? A mi me suele suceder, pero me lo paso tan bien que después se me olvida. Y ¿Por qué no? Vamos a disfrutar, pues, aunque la canción del verano no sea la lista más votada, la verdad es que al final todos las disfrutamos, quizá algunos no por lo escuchado, pero estoy que si por divertidos momentos vividos en grata compañía 🙂

¡hasta el próximo artículo!

canción del verano

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Antonio Vivaldi y Aaron Copland: 2 músicas, 1 primavera.

Soraya Bartoloméanálisis estético

¡Hola! ¿qué tal este domingo saleroso? Yo estoy aquí en casa dedicándome a la vida contemplativa aprovechando que hoy no se trabaja ¡Hurra!

Esta semana hemos entrado en una nueva estación, lo que me ha traído recuerdos de  mis días de profe en el cole cuando  le cantaba los niños: ¡La primavera ha llegado, nadie sabe que ha pasado, se vive, se siente, la primavera está aquí! La canción no es gran cosa pero es que en música tenemos melodías para todos los temas y de manera especial con la naturaleza cuyo vínculo ha sido constante en la Historia de la Música. En referencia a este cambio de estación, no son pocos los compositores que han escrito a la primavera . A mi me gusta observar la manera en que, de un mismo hecho, siempre salen músicas y conceptos diferentes (teniendo siempre en cuenta el contexto histórico, claro). Para ello he escogido dos músicas que describen la Primavera, cada una enmarcada dentro de su época y estilo 🙂

Antonio Vivaldi (1678-1741)  en La Primavera (Concierto nº 1 en mi mayor, RV. 269)  de Las 4 estaciones  se centró en los sonidos de la naturaleza, los diálogos de los pájaros, el río… todo adquiere una textura fresca que provoca una explosión de color en el oyente, que  independientemente de donde se encuentre hará de él una primavera florecida aún estando en el  crudo invierno. Vivaldi describe su Primavera como pequeñas postales a las que no les falta detalle lo que produce un universo visual durante los 3 movimientos del Concierto en el oyente sin haberlas visto nunca.

Aaron Copland (1900-1990) compuso para una pequeña agrupación de instrumentos en forma de ballet La Primavera Apalache (Apalachian Spring)  para la compañía de ballet de Martha Graham , aunque es la suite para gran orquesta la que se ha convertido un emblema para el imaginario colectivo norteamericano. El argumento de esta obra describe la vida de los primeros norteamericanos (hijos de colonos) en el S. XIX mediante unos personajes centrales creando una serie de estampas visuales y emocionales. Copland hace una descripción intensa y profunda de los paisajes y situaciones sin establecer unas analogías auditivas evidentes, quizá, provocando en el oyente visualizaciones cuasi oníricas de los paisajes y eventos que describe  que se entrelazan con otros conceptos más profundos. La Primavera se convierte en este caso  en un sentimiento de arraigo que convierte la foto en algo tridimensional con intensas descripciones, donde lo visual da de lleno en la emoción.

Como véis Vivaldi y Copland, aún en diferentes épocas describieron la primavera de forma diferente pero ambos con la invitación al oyente a visualizar la música. Vivaldi con maestría hizo que la música casi se pudiera palpar transportándonos a un vergel florecido y por otro lado, Copland nos traslada a los sentimientos que produce ese vergel, no describe la flor, describe la hierba mojada y las emociones del sentirse “como en casa”. Actualmente  la música sigue siendo esto: fotografías musicales sobre la vida que cada persona plasma de una manera diferente. Y a veces ocurre que la música se hace tan universal que sobran las palabras para decir: ¡Bienvenida Primavera!

¡Hasta el próximo artículo!

 

Serie " Corazón del Bosque " Rio, acrílico sobre tabla. Maria Jesus Pérez Vilar
Serie ” Corazón del Bosque ” Rio,
acrílico sobre tabla. Maria Jesus Pérez Vilar @miradasylugares

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La importancia del Pensamiento Musical

Soraya BartoloméEstética musical

¿Cómo suena verdad? Pensamiento musical.  Como habréis observado, me gusta mucho esta rama de musicología referente al Pensamiento Musical, quizá el lugar donde algunos musicólogos podemos sentirnos más cómodos.  Siempre os animo a pensar en música, porque con perspectiva igual que en la vida, todo se ve mejor.

El Pensamiento musical nos ha acompañado desde que la historia ha tomado consciencia de la música ¿Cómo nos relacionamos con ella? ¿Qué representa para nosotros?  Estos pensamientos no solo se han centrado en la música, también es algo que sucede en otras disciplinas artísticas provocando un sinfín de controversias y argumentaciones a favor un arte en concreto en detrimento de otro . Este hecho está directamente entroncado con la estética del arte.  Quizá parezca una discusión un tanto vacua pero el pensamiento y la reflexión sobre la música en si ha hecho posible no hacer de la música algo estático que ejerza de un sencillo adorno.

El Pensamiento Musical se manifiesta desde la Antigua Grecia con Platón y Pitágoras, pasando por la Edad media con Boecio y Franco de Colonia por citar algunos. Increible el Renacimiento, con la teoría de los afectos, la Camerata de los Bardi, Zarlino, la teoría de las esferas y la recuperación del equilibrio clásico de la Antigua Grecia. De allí nos vamos al Barroco y el Clasicismo con la ilustración: La aparición del enciclopedismo, divergencias sobre interpretaciones y la forma, Gluck y su pensamiento de su ideal musical que presentó precedentes. En el romanticismo la filosofía se mezcla con la estética de la música, con más fuerza. Es la época de Schopenhauer, Nietzsche inevitablemente unido a la figura de Wagner. Pensamiento musical en estado puro, música casi desnuda con la palabra. En el S. XX en adelante la música se  vuelve tridimensional siendo también un manifiesto del pensamiento venidero en el que la música se vuelve contextual: Las valiosas reflexiones de  Theodor Adorno, Claude Lévi-Strauss, John Cage,.. y…. ¡¡¡ son solo unas pinceladas rápidas en las que me dejo a verdaderos grandes) !!

Como veis, la historia es también pensar la música con la palabra: Buscando recovecos, respuestas y más preguntas sobre aquello que aún  a día de hoy no encontramos una definición clara. El Pensamiento musical hace que la música se sienta viva  sin necesidad de emitir una sola nota siendo este estado también música en estado puro: Intensa y envuelta en un torbellino de emociones. Son muchas las personas que han reflexionado sobre la praxis musical y gracias a ello, podemos entender un poco más sus contextos y las formas  de vivir la música…. ¿Os habéis dado cuenta? El pensamiento musical nos ayuda a reconstruir una época, pero no solo eso, también la música. Las diatribas y discusiones del pasado consistentes en que  si tal obra se tuviera que interpretar de esta manera u otra, las viejas rencillas entre músicos y escuelas rivales… nos dan tremendas pistas para  traer los sonidos del pasado de la forma más rigurosa posible a la sala de conciertos. Sabemos que esto es  la música, pero para mi, es magia en mis oidos.

Para terminar, os recomiendo este libro de John Blacking en el que reflexiona sobre la musicalidad del hombre, los contextos y la musica más allá del etnocentrismo…. y no quiero contar mucho más porque quiero que lo descubráis vosotros 🙂

Hay musica en el hombre? / How Musical is Man?
John Blacking,
Alianza Editorial (2006)

Como siempre recordaros que sigo buscando proyectos musicales 2.0 para #Umusical.   Los que queráis participar podéis mandar un correo a diariodeunamusicologa@gmail.com , contactar vía Twitter @sory o …. ¡¡tachán!! en Facebook.

Sí, Diario de Una Musicóloga ya está por allí, así que podéis darle al megusta (si queréis, claro)  para estar al tanto de las novedades en el lateral derecho del blog o entrar aquí :

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¡¡ Os espero !! 🙂

Gesamtkunstwerk ! Pequeña reflexión sobre el arte en el inmenso mundo de Richard Wagner

Soraya BartoloméEstética musical

Este año se conmemora el bicentenario del nacimiento Richard Wagner (1813-1883) así que imaginad la fiesta musical que hay en el  Festival de Bayreuth . Como sabréis muchos , este festival tiene su origen en el propio Wagner ya que logró construir un entorno adecuado en el que poder representar su obra  lo que nos da una idea de porqué es   el máximo exponente de la música hasta sus últimas consecuencias. Hoy quiero remarcar un termino que acuñó el propio compositor y que nos puede servir a la hora de pensar en música: Esto es, Gesamtkunstwerk , obra de arte total para nosotros.

Bien, este concepto de obra de arte total que tenía Wagner era un pensamiento lógico viendo la magnitud de su producción artística, en la que además de centrarnos en la creación  musical ¿Por que no extrapolar la puesta en escena a todas las artes posibles? ¿Os acordáis de  lo que os he mencionado en otros artículos sobre la visión de la música como una escultura?  Wagner fué un paso más allá,  ¿Por qué no poner en marcha una maquinaria artística que ayudara representar su obra tal como el la imaginaba ?¿Por qué no condensar todas las disciplinas artísticas en una?  Esto hizo que el compositor se planteara la intepretación de su música como una gran obra  en la que la música es  uno de los  elementos que al unir con las demás disciplinas artísticas  hicieran   que de forma global  el espectador puediera sentir  una experiencia multisensorial  dentro de la plena libertad de Wagner sobre la concepción de su creación musical .  No iba muy desencaminado  dotando tanta importancia a la música como a sus multiples contextos  dejando así  una huella imborrable en el  Pensamiento Musical hasta nuestros días. Pero, ¿Cómo representar esa obra de arte total?

¿Cómo expresar los olores? ¿ Cómo sentir el tacto fresco de la hierba? ¿Cómo traer las olas del mar a tus pies?

Wagner logró  impregnar su pensamiento acerca de la estética del arte debido a su concepto del arte y las artes  plasmándolo  en su  obra, desarrollándola  en varios planos artísticos conceptuales y contextuales pero. ¿Sería posible concentrar  todas las artes o sería inevitable dar a la música el papel principal para que ésta no se diluyera ante la densidad artística? Esto es el  concepto de obra  de arte  total: La experiencia sublime de la estética, de lo bello, del teatro, la filosofía…  aunando la diversificación las artes en una sola como una gran  escultura que se viera desde cualquier horizonte .A lo largo de su producción musical iría centrando su obra  en los recovecos de la  creación musical… ya que la obra de arte total, era mucha obra….

La obra de Wagner  está concebida desde el arrebatador espíruto romántico  siendo  una extensión de su propio yo hasta el infinito  , para que  la sal y el olor a mar de   un  holandes Errante se sintiera  entre las butacas y donde  el sol del atardecer pudiera guardarse en un tarro de cristal.

Creo que a veces, hay  músicas tan grandes que su contexto  se queda  mudo  porque solo desde la primera nota ya envuelve todo lo que toca. Wagner supo entonces  ver con esa mirada tridimensional  haciendo de su  música un  pensamiento perpetuo que llega hasta nuestros días arrasando con todo lo que toca.

Para ampliar:

http://www.wagnermania.com/

http://www.wagneroperas.com/indexwagneroperas.html

Nuestro propio pensamiento musical

Soraya Bartoloméanálisis estético

Muchas veces he utilizado la expresión Pensar en Música que es algo así como planificar una hoja de ruta  adaptada a nuestra propia experiencia musical. La música se puede escuchar pero también nosotros podemos elegir como vivir como relacionarnos con ella. ¿Seremos oyentes pasivos? ¿ O activos?  Nosotros decidimos pero  a veces la experiencia musical llama a la  música  planteándonos cuestiones como ¿Por qué es así esta música? Somos producto de nuestra evolución pero también lo hacemos de los actos del pasado ¿Pensáis que si la historia se volviera a repetir tendríamos la misma música? ¿Nos gustarían los mismos sonidos? ¿La propia naturaleza humana hace que nos sintamos inclinados por determinadas músicas?

Aprender música es una experiencia que nos llena, pero tener nuestra propia idea de ella es algo que hace que  nuestra vivencia musical irrumpa  en la escucha con más fuerza. Con todo esto, ¿existe música perdurable en el tiempo o es la distancia temporal la que hace que ésta llegue hasta nuestros oídos? ¿Qué músicas se quedaron por el camino? Como veis, son muchas las preguntas las que se formulan si hacemos un ejercicio de introspección musical. Si el hombre de a pie tiene tendencias al existencialismo (más allá de un sábado a horas intempestivas  después de la feliz  ingesta de  bebidas espirituosas) respecto a todo lo que le rodea ¿Por qué no la música? Como ya he dicho en otras ocasiones, es nuestra responsabilidad ser oyentes activos de nuestro legado musical para comprender las músicas pasadas, presentes y futuras.  En nuestra  historia más reciente este ejercicio de reflexión musical no ha pasado desapercibido y se ha escrito mucho sobre la naturaleza intrínseca de la música, aunque este espíritu no se ha terminado de inculcar en la actualidad limitándose a un  “no me gusta” en vez de un ¿ “Por qué no me gusta?” 

DE MADONNA AL CANTO GREGORIANO (H4855)
De Madonna al Canto Gregoriano. Nicholas Cook (2005) Alianza Editorial
Siempre recomiendo este librito que lejos de ser una guía de Historia de la Música, es una introducción al “pensamiento en música” del lector

Cuando leí el libro de Nicholas Cook fue un revulsivo musical para mi  que me impulsó a la reflexión acerca de las relaciones que establecemos con la música más allá de su conocimiento histórico y formal. Ésto me ayudó a ahondar en las ideas del  Pensamiento Musical, la estética, historiografía , contextos y la idea de la necesidad del   “Pensamiento en Música”. Nuestro propio Pensamiento Musical hace que la riqueza de lo que escuchamos se ensanche, y que pensar en música en cualquier contexto sea una manera de entender las manifestaciones musicales más allá de la propia música.

Os dejo  la primera parte del libro de Enrico Fubini: “Estética de la Música” (53pag.) en la cual tenéis otro punto de vista sobre la estética y Pensamiento musical. Dentro de estos campos trata cuestiones  muy interesantes ya que en la lectura de: Problemas históricos y estéticos de la música podeis extraer más ideas  que os ayuden a “Pensar en Música“. Aquí tenéis el enlace ( Pulsando aparece a pantalla completa) pero os recomiendo el libro entero ya que hace un repaso aplicando el Pensamiento Musical en la Historia de la Música.

Por cierto, ¿Tenéis el diccionario? ¿A qué esperáis? Para los que no estáis acostumbrados al vocabulario musical pueden aparecer términos musicales que igual os desconozcáis y  sirvan de un excepcional punto de partida para empezar vuestro propio pensamiento musical.

Bibliografía para profundizar:

Enrico Fubini: Estética de la Música. Ed. Antonio Machado (2002) –

¡Dónde encontrarlo?  Librerías especializadas y en Internet facilmente  en webs tipo casa del Libro o Amazón

Apunte extra: Os recomiendo que bucéis en la obra de este autor ya que su línea de trabajo esté en la estética de la música.

De Madonna al Canto Gregoriano. Nicholas Cook. Alianza Editorial (2005)

¡Dónde encontrar? En grandes superficies y librerías de vuestro barrio y a unos 8 euros 🙂

Apunte extra: Además del precio, el libro es pequeñito y se lee fácil y es un excelente punto de partida a la reflexión musical.

Para empezar, estos son los títulos que os sugiero de los muchos y excelentes libros que hay sobre Pensamiento, estética y Música.

¿Preparados para empezar a pensar en Música? 🙂

Música, el diario del mundo.

Soraya BartoloméEstética musical

Explosión de combinaciones de sonidos nunca escuchados,  nuevas ideas que se escapan de lo que se describe en una partitura, un pensamiento diferente y nuevo. ¿ Por qué no darle una vuelta de tuerca a la música? La música clásica nos cala hasta los huesos, es emocionante y maravilla las cotas de perfección y belleza que puede alcanzar, pero el mundo cambia y las sonoridades también. La música del S. XX se caracteriza por ser un crisol de sonidos, nuevas grafías  y reflexiones musicales fruto de la perspectiva de la historia. Hasta principios del siglo pasado, la música fué fluyendo cómoda y galante en su equilibrio total, pero el mundo comenzó a girar cada vez  más rápido y con más fuerza y con el, ideas , perspectivas y ganas de mirar la realidad de una forma diferente.

Y la música se fue convirtiendo en escultura, arquitectura, pintura, imagen y en definitiva, cualquier soporte en el que todos los sentidos formaran parte.

En 1865 el  preludio de” Tristán e Isolda” de Wagner marcó el fín de la tonalidad, el exotismo de modal de Puccini, el sentido onírico de Debussy cuya estética lleva a lugares perdidos en los sueños fué llevando a la búsqueda incesante de nuevas formas de expresión musical  que desembocaría en un mundo de vanguardia que empezaría a desarrollarse más profundamente en el primer tercio del S. XX . Paralelamente, la vida en general, fue cambiando a un ritmo verteginoso. ¿ Cómo no iba afectar este hecho al arte en general? ¿Cómo expresarse en un mundo que empieza a cambiar sin darnos  apenas tiempo a alcanzarlo? Y como fuegos artificiales, la música explotó en en miles de ramilletes luminosos en el transcurso de una nueva historia.

Hago un breve apunte de una de las muchísimas nuevas corrientes musicales  que siempre me ha llamado la atención:  La democratización del sonido y la rebeldía tonal.

El compositor Arnold Schönberg, ideó en 1923 el “Método de Composición de doce Sonidos” dando  lugar a la música dodecafónica y más tarde al serialismo gracias a sus famosísimos discípulos, compositores de la talla de  Webern y Alan Berg. En este sistema, los 12 sonidos que componen cada escala cromática son tratados por igual.

No hay equilibríos, no hay sonidos que imperen sobre otros, no hay finales ni principios que podamos reconocer. Schönberg hizo que todos los sonidos de cada serie dodecafónica tuvieran la misma importancia: sin repeticiones, 12 sonidos, 12 impulsos. Este estilo de composición  podemos intuir que  está alejada de la  música tonal (donde nuestro oído se encuentra cómodo y encuentra su propio equilibrio), pero este hecho, permite ver la música desde un punto de vista diferente. El dodecafonismo tiene una doble estructura, por una parte es una vuelta de tuerca a la naturaleza del sonido y a la organización del mismo pero  por otra, es una declaración de intenciones.

Después de haber pasado una I Guerra Mundial el dodecafonismo de Schönberg adquiere un nuevo significado gracias a su contexto. Es música, es igualdad en un mundo enfrentado entre sí, es paz.  Todos somos iguales, no hay superioridades, en la ausencia tonal que crea el desequilibrio del sonido  se encuentra un equilibrio interno que quizá a primera vista parece un amasijo  de notas. Pero, ¿no os parece  que es mucho más que eso? Es la reinvindicación de la  la igualdad y  del cambio de tercio  desde las entrañas de la música. Es el CAMBIO con mayúsculas. Otra visión, otros ojos, pero sin embargo siempre música..

Como él, los músicos contemporáneos  crearon formas nuevas de sentir y de expresarse en música: Locas, ilógicas, increibles, sorprendentes…  cuya intencionalidad es en muchos casos es desconcertante. Pero acaso,¿no es maravilloso el poder que ejerce la música? La música y  el arte en general es moldeado por los cambios lógicos de una época ¿y nosotros?

La música es el sonido del corazón del mundo.

Autorretrato azul (1910) Arnold Schönberg.
Los ojos de músico dentro de los ojos del músico.

¿Interpretamos y escuchamos la misma música?

Soraya BartoloméEstética musical

Sería muy difícil de explicar lo que uno siente cuando “hace música” o se emociona con ella y estoy segura que esto ocurre en todos los contextos musicales posibles. Cada persona crea un vínculo especial y único. En Twitter comentaba sobre la intencionalidad de la música pero un tuitero me recordó que no es la intencionalidad de la música solo la que hay que tener en cuenta sino también la del oyente y añado, la del ejecutante.

Esto me hizo reflexionar sobre la relación bidireccional de la música. La música sobre el oyente y el oyente sobre la  música. ¿Podemos cambiar el sentido de una música? ¿Hay una percepción realmente objetiva de ella? Podemos, como ha he dicho en otras ocasiones, mirar la música con ojos curiosos como quien mira una escultura con muchas aristas. Pero..aunque queramos mirarla así, ¿podríamos decir que lo único objetivo de la música es lo que hay escrito en una partitura?

Supongamos que tenemos que interpretar esto:

Tenemos una clave de sol y un pentagrama que indica la altura de las notas: Mi – Mi. También atrapado entre líneas está el compás 2/4 y también se podría indicar la velocidad exacta indicado con un número que indique el pulso de negra en el extremo superior. Estos conceptos están claros.

¿Y ahora? Ahora llega la magia.

Imaginaros que tenemos que interpretar este pasaje:

Veamos, tenemos el compás, la clave, el pentagrama, las notas que indican su duración… ¿y esos signos a los pies de cada pentagrama? Son signos de intensidad que  indican como tocar o cantar este pasaje. Vamos a centrarnos en el  tercer pentagrama. Estos signos dan pautas de  la intensidad de las  notas. Así  estos compases han de tocarse como si fuera una ola, de menos intenso a más en en la nota central (f) hasta diluirse en el último sonido.

Los que interpretamos música sabemos perfectamente como ejecutar un piano (p) .Significa que tenemos que hacerlo dulce y suave, conteniendo el peso de la mano para contener el sonido (hablo pensando en el piano, pero se puede extrapolar a cualquier instrumento incluida la voz) pero… ¿son todos los p iguales para todos?¿A lo largo de la historia de la notación el concepto de  p ha sido el mismo? Partimos de la base, claro, que la inclusión de estos signos fueron fruto de la necesidad del compositor y ejecutantes para poder ponerle forma física a lo que no se ve de la música.

La magia de la interpretación musical (porque un músico no toca una obra, la interpreta) es esta. Hay cosas que son seguras en una partitura, pero otras no se han logrado cuantificar no siendo algo cerrado. Aunque tengamos claros todos los signos musicales en una partitura¿Cómo sabemos que todos tenemos el mismo? ¿Será igual  hacer un p un día aciago que un día en el que parece que tu mundo se ha vuelto del revés? Quizá en la partitura habría que crear nuevos signos para los sentimientos para que ésta estuviera más completa, pero ahí está lo que no se puede cuantificar y por lo que la música adquiere ese halo de magia en cada interpretación. Es muy difícil que existan dos interpretaciones iguales de una misma música, porque son diferentes las manos que la tocan, el sentimiento que imprimen y la relación bidireccional que se establece entre ambos. Es por eso, que el sonido es magia y la escucha del mismo ha de ser atenta porque de dos interpretaciones aparentemente iguales puede haber un mundo entre ellas  porque no todos los aspectos de la música están escritos. Si la música pasa de manera superficial por nuestros oídos, escuchamos media música haciendo que  la otra mitad se pierda , como si fuera un eco lejano.

Edgar Degas. Músicos de la Orquesta (1872)
Con esto se puede imaginar la importancia del director del orquesta en la búsqueda del sonido y pensar de la importancia cuando un compositor dirige su obra es un momento mágico. ¿Os imagináis ver y escuchar el sonido de Wagner dirigiéndo su producción musical?

La música es un faro que guía a través del tiempo.

Soraya BartoloméEstética musical

Estaba buscando una canción o un poema que reflejara como la música ha sido buque insignia de poetas y artistas en general y paré a reflexionar. ¿Qué tendrá la música que desde el hombre es hombre crea ese influjo  que hace que  ésta haya sido la banda sonora de nuestra historia?

Beato de Ginebra: La segunda trompeta
Beato de Ginebra (Mediados del S. XI) Trompeta del Apocalipsis

La música ha sido acompañante de los momentos relevantes de nuestra historia, de los que llevan al cielo y de los que averguenzan nuestra existencia pero siempre como un faro de guía para personas de todas épocas y condiciones.   De manera innata tenemos la necesidad de relacionar cada momento de nuestra vida o nuestra historia a un motivo musical que se quede clavado en nosotros.

Bartholomeus van der Helst, Banquete de milicianos (mediados de XVIII).
La guerra y la música siempre han estado unidas. Tambores, cornetas, flautas… El arte al servicio de la indiosincrasia del hombre.

¿Ella nos encontró ?¿O nosotros la encontramos a ella? Pasamos desde el Arte de los sonidos de la Antigua Grecia al Mundo Suena del artista expresionista abstracto Kandinsky. Siempre he pensado que la música fué un intento de buscar el sonido del mundo, Kandinsy fue muy sabio en sus palabras, el mundo es sonido en un movimiento perpétuo que nunca cesa.

La cancion de amor
Antoine Watteau ,La canción de Amor (1717) La música como medio de expresión de sensaciones que son dificiles de explicar con palabras.

Generación tras generación la música estuvo allí. Impasible y majestuosa revolviéndonos por dentro. Se partió  de la idea de reconducir la música solo para unos pocos, dividida entre músicas “cultas” y “llanas” buscando la manera de contener su práxis y su entendimiento en beneficio de todos mediante tratados y reflexiones  que aseguraron que su aprendizaje y su enseñanza no quedara en saco rato. Tratados sobre el sonido, la composición, las maneras de “tañerla” han llegado hasta nuestros días dejándonos un legado maravilloso y mágico. La música tiene tanta vida que, pasó de un imaginario reducido al servicio de reyes y demás colectivos que  paulitanimante a raíz de la revolución del Renacimiento fué pasando de forma muy lenta y paulatina a la reinvindicación del YO ante la música.

Y  entonces,la música explotó en mil colores.

Y encontré mi poema, es una canción muy reciente de Alejandro Sanz que refleja muy bien el paso de la música inherente a nosotros a través del tiempo.

La música no se toca. (Alejandro Sanz)

Pasaréis, pasaran los tiempos,
se irán los momentos… ya lo veréis.
Pasaran los imperios, las guerras,
los besos y donde miréis…
Quedaran los versos y los porqués.
Recuérdalo… esta canción.
La música no se toca.

Veréis, pasaran los empeños
y los misterios de seis en seis.
Y los siglos, los muertos
y los inquietos que alzan la voz.
Pasaremos todos y quedaran
Recuérdelo… una canción.
La música no se toca.

¡Y qué! lo que va en el viento
es lo más seguro, no lo dudéis.
Que se aferra al tiempo
y se queda eterno en el corazón.
Pasaremos todos y quedará
Recuérdelo… una canción.
La música no se toca.

¡Y no hay ley!
Poderosa emoción que ni el tiempo la vence.
¡No hay ley!
Lo que améis en el tiempo siempre quedará.
Quedará cuando no estemos
Quedará cuando no estéis
Quedará la música…
Y siempre la música, la verás.
Larga vida a la música su majestad.
Que dios guardo a la música en su inmensidad.
Y quedara la música
cuando no haya a quien amar.
Quedará la música… como un despertar.
Nos quedará la música, es nuestra verdad.
Quedará la música… El es titular.

Pasaran los inventos
y el ir con los tiempos no lo veréis.
Y al si no me conecto
las bandas más anchas y los que corréis.
Pasaran las marcas y los ‘ibéis’
Recuerda que esta canción
es música y siempre flota.
¡Y que!
Lo que va en el viento
es lo más seguro, no lo dudéis.
Que se aferra al tiempo
y se queda eterno en el corazón.
Pasaremos todos y quedará
Recuerdos y esta canción.
La música no se toca.

¡Y no hay ley!
Poderosa emoción que ni el tiempo la vence.
¡No hay ley!
Lo que améis en el tiempo siempre quedará.
Quedará cuando no estemos
Quedará cuando no estéis
Quedará la música…
Y siempre la música, la verás.
Larga vida a la música su majestad.
Que dios guardo a la música en su inmensidad.
Y quedará la música…
cuando no haya a quien amar.
Quedará la música… como un despertar.
Que viaje a la música…
En la eternidad.
Que quedará la música… El es titular.