Y para tí, ¿qué es ser músico?

Es una pregunta muy sencilla cuya respuesta encierra el carácter multidisciplinar de la música ya  que ser músico parece que  no se limita tan solo a la interpretación musical.

Pero primero vamos a ver que dice la RAE

músico, ca.

(Del lat. musĭcus, y este del gr. μουσικός).

1. adj. Perteneciente o relativo a la música. Instrumento músico. Composición música.

2. m. y f. Persona que conoce el arte de la música o lo ejerce, especialmente como instrumentista o compositor.

3. m. Cuba. faurestina.

¿No es muy aclaratorio, verdad? ¿Qué características debe de tener un músico?  Creo que puede haber tantos tipos de profesionales de la música como ramas musicales hay, ya que todo conlleva un conocimiento profundo de la música. Porque un músico puede ser intérprete que no sabe leer una partitura y lleva toda su vida tocando  y en cambio, también puede serlo un teórico musical que se  dedica al estudio de la música y su comprensión. Es un concepto difuso sobre el que creo se ha profundizado poco. En base a esto me planto la siguiente pregunta: Ser músico ¿es una actitud?.

¿La finalidad exclusiva de saber música es tocar un instrumento o por contra, el cuerpo y el saber musical  te pide aplicar ese conocimiento de manera práctica para entenderla mejor? Esto me hace reflexionar sobre mi misma como músico.

Tengo estudios de conservatorio en mi instrumento, el piano, pero mi objetivo no es ejercer como músico con él, me siento feliz haciéndolo desde la palabra y la reflexión.  Me siento igual de músico mientras escribo y reflexiono que expresándome con el piano. Ambas cosas me hacen sentir plena y feliz. Mis ganas de saber, sentir y comprender  hizo que cursase  la Licenciatura en Historia y  C.C. de la Música (musicología) para profundizar sobre el saber  y el conocimiento musical haciendo esto,  que mi concepto de músico, Música y Músicas se expandiese.    Esto  lo podemos extrapolar a otros casos y situaciones haciéndonos preguntas  ¿es menos músico el que aprende en su casa a tocar la guitarra desde cero? ¿Es más músico el que puede componer música? ¿El elemento que nos unifica a muchos músicos es saber hacer música?

Como veis, hasta la RAE es difusa al definir este concepto pues lo atribuye a lo perteneciente a la música (música que aún no conoce límites) y a la interpretación. Por lo tanto, abre un mundo de posibilidades para el hecho de ser músico. Así se puede pensar  que la música, el ser músico, es una profesión (renumerada o no, en público o en privado, ) que va más unida a un modo de ver la vida. El verdadero músico,  se siente vivo cuando piensa en música (y no me refiero estrictamente a  La Música), se siente pleno en la escucha entendiendo el lenguaje de los sonidos y los contextos como si ya formaran parte de su vida.

Como decía en anteriores artículos. Todos podemos pensar en música, ser músico no es un concepto cerrado sino abierto para quien lo quiera tomar  para aventurarse a vivir la música desde la palabra, desde sus manos o su voz y desde la escucha. La escucha atenta de un músico a miles de voces.

“Unidos” de la artista Maria Jesús Pérez Vilar (2012)
http://miradasylugares.blogspot.com.es/

Esta semana: Festival Internacional de Música de Cine Provincia de Córdoba

Esta semana, entre 23  y el  30 de Junio se celebra el Festival Internacional de Música de Cine Provincia de Córdoba en el que  aficionados y compositores confluyen en un clima de diálogo  sobre la música y el cine en el marco incomparable de la ciudad de Córdoba.

Este año,  los compositores de fama internacional  que nos deleitaran  con sus palabras y  sonoridades son  la ganadora de un Oscar Rachel Portman y el dos nominado  a estos premios y habitual del género de terror, Marco Beltrami .  Estos compositores estarán acompañados además de la presencia habitual de autores nacionales que año tras año  muestran su apoyo al festival  destacando  el trabajo de  Roque Baños cuya labor para y con este evento siempre ha sido encomiable.  Pero no son los únicos nombres, porque  en esta aventura de la música en movimiento nos acompañan además estos profesionales que participarán en charlas, talleres de composición así como en la preparación de los conciertos:  Arturo Diez, Ilan EshKeri, Federico Jusid, Nani García, Peter Bernstein, Zacaría M. de la Riva, Joseph Trapanese, Miriam Cutler, Sergio Moure de Oteyza, Alfons Conde, Michael Price, Joel Douek, Freddy Sheinfeld, Elik Álvarez y Brian Cole

A todos ellos:

A  los organizadores del evento, Bsospirtit, Diputación de Córdoba  y Leimotiv, a las diferentes formaciones musicales cordobesas y de diferentes puntos de Andalucía que hacen que la música de cine fluya por nuestra tierra,   a los aficionados y voluntarios que cada año hacen esto posible:  ¡¡Gracias por permitirnos acercarnos a la música que alimenta nuestros sueños!!

Aquí tenéis el programa de este año, que como siempre se divide en los talleres de composición, charlas, conciertos, firmas de discos  y diferentes actividades más lúdicas e informales  para unión de aficionados y profesionales que con el paso de los años se han convertido en una gran familia.

Programa del Festival 2013

Cierro el post con mi pequeño aporte musical de la música que adoro y forma ya parte de mi vida ( y mi colección de Cds). No podré asistir por motivos familiares, pero ya me emociono solo de pensar en los conciertos de estos días. 🙂

Cuando el lienzo es una partitura. ¿Se escribe todo lo que se oye? ¿Se oye todo lo que se escribe?

Estos días he estado reflexionando en el blog sobre la música que se oye en los cuadros, pero ¿ qué pasa cuando lienzo es una partitura? A lo largo de la historia de la Música el hombre ha ido sintiendo la necesidad de ir plasmando práctica musical sobre   el papel. siendo su escritura una fuente de la trasmisión del conocimiento y la cultura.

Ya desde el Antiguo Egipto hay pruebas de que la música se escribía aunque desafortunadamente no se haya podido descifrar.

Demos  gracias pues,  a  a  dos figuras importantísimas para la Historia de la Notación , Guido DarezzoFranco de Colonia   ,  ya que sus aportes en la Edad Media  hicieron que  nuestra notación haya  llegado a ser lo que es  ¿Evolución lógica porque no había otra forma de escribir la música? ¡Quién sabe! . Esta pequeñísima introducción sirve para centrarme en  el actual  Sistema Gráfico Occidental   instaurado  como lenguaje universal de la música  sin olvidar, claro,   las muchas formas de escribirla, tantas como culturas y personas. En una partitura, todo lo que está escrito tiene sentido para quien la lee, las palabras, los números, signos inimaginables, las líneas , barras, puntos…. Así,  independientemente de su complejidad,  la escritura musical forma parte de un todo que  estalla en una explosión de sonidos, sonoridades y atmósferas musicales  en cada interpretación

Cada partitura  indica por la  forma particular  de estar constituida, el  tipo de repertorio que se está leyendo o analizando.  He tomado de ejemplo esta canción infantil  escrita en  Do Mayor,  a una voz y  pensada para cantar( no siendo excluyente poder interpretarla con otros instrumentos y acompañamientos)

Parece sencillo, ¿no? Pues vamos a ver que podemos sacar de esta música pintada en una partitura 🙂

–  Al comienzo justo encima del primer pentagrama, se lee  Allegretto determinando así el caracter y la velocidad a la que se  puede interpretar (si leemos lento u adagio  ya os podeis imaginar,¿no?)

– El  2/4  indica el compás, esto es, la métrica de la canción.

–  Varios tipos de  líneas: divisorias que establecen lo que contiene cada compás y una barra final doble para indicar el final de la canción.

– Dos tipos de  signos de silencio que varían según su valor. Supongo muchos ya habreis oido hasta la saciedad que  el silencio también forma parte de la música y por ende, de una partitura así que no digo nada.

– Un  9 encima del segúndo pentagrama que  señala que nos encontramos en el compás 9. Estos números son muy útiles a la hora de leer para no perdernos y ubicarnos en la partitura.

– Por supuesto, tenemos corcheas (que pueden estar unidas o no) y negras que están ancladas sobre las 5 líneas del pentagrama  que  establece  la altura y el nombre de cada nota según la clave que se tenga.

– Clave de sol en 2ª porque justo su “barriga” está en la segunda línea, lo que quiere decir que Sol será nuestra nota de referencia al nombrar las demás.

Esto es,  en definitiva,  el lenguaje universal de la música, donde cada elemento ayuda a poder trasmitir la expresión musical de una cultura procurando que ésta  no se pierda llegando intacta hasta nuestros días. La música se transforma en un lienzo donde nada está al azar en el que  cada pincelada es un paso más para la expresión musical. Por supuesto, en una partitura no están todos los signos que nos gustaría porque ¿ cómo expresar el sentir de un músico? Lo que para mi es Alegretto ¿Qué es para tí? ¿Reproducimos fielmente lo que un compositor siglos atrás plasmó en una partitura? Eso nunca lo sabremos, pero se ha escrito y reflexionado mucho sobre ello. ¿Existirá la reproducción fidedigna perfecta de una obra del pasado?  Es complicado saberlo,  porque hay características de la música inherentes a los sentimientos , imposible de  plasmar en un pentagrama. Esto hace,  que  cada interpretación sea  única para el   legado musical  a través de siglos de Historia y   hace  que  permanezca  perenne en ese lienzo que es la música.

Ahora que ya tenemos un contexto, os  dejo con esta reflexión del título: ¿Se escribe todo lo que se oye? ¿Se oye todo lo que se escribe?

9ª Sinfonía de Beethoven.
Se multiplican los pentagramas, y la barra de la izquierda agrupa los diferentes instumentos musicales que tocan a la vez ¿Qué más ves?

Partitura Manuscrita de Bach.
¿Qué puedes distinguir de lo escrito? ¿Crees que la grafía musical ha ido evolucionando según necesidades?

Para terminar, además de los Links para ampliar conocimientos sobre este tema teneis   un video animado de la  Warner donde la  grafía musical es la que pinta de verdad la partitura. 🙂

Enlace para taller de Paleografía musica de Beatriz Montes, de la que tuve suerte de ser alumna http://tallerdepaleografiamusical.blogspot.com.es/

Una breve historia de la Notación Musical http://rincones.educarex.es/musica/images/stories/notacion.pdf

¡Música! Un nuevo concepto sonoro.

Mañana es el día de la música.  La  música de tod@s. En este día, ¿Por qué no prestamos atención a los otros tipos de música? Hoy leía un artículo sobre el músico  exponente del movimiento de vanguardia y pedagogo Pierre Boulez (1925) ya que su motivo de su estancia en Madrid es la de  recoger el Premio de la Fundación   BBVA Fronteras del Conocimiento en la Categoría de Música Contemporánea. Los pensamientos de Boulez hace que  reflexione en mis ideas acerca de la  relación que tenemos con la música. .El compositor reivindica aplicar el aprendizaje de la música más allá de lo que ya conocemos y nos es familiar, incidiendo especialmente en la explosión de nuevas tendencias musicales de vanguardia más allá del S. XX

La música se difunde, crece y se expande. Pero, ¿conocemos toda la música que se crea? Si el conocimiento y el gusto  de la llamada “música clásica” sigue vigente hasta nuestros días ¿Por qué no da una oportunidad a la difusión de este nuevo repertorio? Sí, no es fácil escuchar la música contemporánea a partir de la primera parte del S. XX hasta nuestros días pero considero que su conocimiento va más allá de eso. La música tal y como la conocíamos evolucionó a la música tridimensional. Esto es, la música que se ve y se toca que ya no es algo estático para escuchar pasivamente. El sonido se moldea para buscar  reacciones e impresiones, y sobre todo, una segunda lectura.

Estas son las nuevas tendencias compositivas desde la primera parte del  S.XX hasta nuestros días  más allá del circuito de  las música urbanas (eso es, la música actual  que escuchamos y nos sentimos identificados dentro de estilos como el Pop, Rock, latino….). En estas nuevas tendencias   el  compositor busca que el espectador reflexione sobre la escucha: que sienta, que se indigne, que se maraville y que la visión musical no esté ceñida sólo  a la música en sí. No busca  que  el oyente ponga su música en el coche, solo quiere que la escucha se realice con otra mentalidad, siendo un oyente activo que capte también lo inaudible. Así,  la música no se escucha, se contempla.

Por eso, en este día musical reflexiono sobre la música que pasa de puntillas pese a que revolucionaron oídos  también pienso sobre nuestro papel como  oyentes activos que nos haga ver la música como un hecho tridimensional que casi podemos tocar.

Para terminar, os pongo un ejemplo muy conocido de música contemporánea ¿Os atrevéis a contemplarla?

Esta obra de Karlheinz Stockhausen (1928-2007), contemporáneo de Boulez y escrita en   1993,  consiste en hacer volar 4 helicópteros, con un violinista en su interior(además del piloto, claro). Cada violinista interpreta la obra de manera simultánea, con la única ayuda de unos cascos que les marca el tempo. Paralelamente, en la sala de concierto el público asiste al evento de forma televisada en el cual  los 4 helicópteros musicales sobrevuelan el cielo mientras los intérpretes ejecutan la pieza plagada de trémolos y glissandos (es  ese sonido tembloroso que escucháis por parte de las cuerdas).

Vale, con esto uno dice… ¿Pero esto qué es? Pensemos en los ingredientes para esta receta musical:

– 4 helicópteros

– 4 violinistas

– El espacio que sobrevuelan los helicópteros.

– El sonido de las hélices

– La sala de conciertos.

Viendo estos elementos tan dispares  ¿cómo hacer sólo una lectura superficial de todo ésto? Sería una pena no reflexionar un poco sobre lo que estamos presenciando. Primeramente, la música se ve y se entremezcla con el estruendo de las hélices de los  helicópteros convirtiéndose  en un instrumento más . 4 helicópteros y 4 violines que hacen que los 8 sonidos que se fundan  haciendo una masa sonora que fluye  a través del equipo de sonido del auditorio. El espectador es receptor visual y auditivo de lo que sucede en el aire en el que entonces, viendo el espectáculo  su proceso final confluyendo todos los sonidos  en la sala de concierto . Quizá Stockausen no quería que su música se escuchase en la vida cotidiana,  sino provocar en el espectador la reflexión y la curiosidad de la música como quien visualiza una obra de arte que se puede tocar.

Y son tantas lecturas, como miradas que contemplan una música viva y en movimiento.

Os animo a contemplar la música desde otras visiones y contextos, quizá si vais más allá encontréis sonoridades nunca imaginadas.

 

Noticias que pasan de largo: Maratón sinfónico de Beethoven el día 22 de Junio

Ya queda muy poquito para el día de la música, y por ese motivo el 22 de Junio en el Auditorio Nacional de Madrid se va a realizar un concierto- maratón organizado por el Centro Nacional de Difusión Nacional (CNDM),cuyo programa consistirá en la interpretación  las 9  Sinfonías compuestas por  Beethoven (1770 – 1827). Casi nada, ¿no?

El concierto empezará a las 12  y terminará a las 23,45 del mismo día 22. Además las localidades que se pueden adquirir desde el día 12 de Junio y  están a precios más que populares por lo que… si igual os dais un poco de prisa podéis conseguir alguna (4 localidades por persona) .

El director Jesús López Cobos será el encargado de llevar la batuta sobre estas cuatro orquestas participantes en el maratón:  Orquesta Sinfónica de RTVE, Sinfónica de Madrid, Orquesta nacional de España y Joven Orquesta Nacional de España.  Como apunte, decir que es la primera vez que se hace un maratón musical de estas características, por lo que la expectación es máxima y merece la pena:-)

El reto del director no es moco de pavo. Dirigir, es tocar un instrumento musical más completo compuesto de multitud de diferentes sonidos. El director ha de estar despierto y atento para poder establecer esa comunicación especial que le permita sacar de este instrumento el mejor sonido porque sí, una orquesta puede tocar por sí sola, pero sin un director que sepa sacar el mejor sonido, es una orquesta de alma, tan solo una interpretación más susceptible de que un grupo unificado de rompa (algo parecido como un entrenador de fútbol). La dificultad del reto, reside en un director que al enfrentarse a 4 orquestas de la que no es el titular, aunque de dos de ellas si lo fue anteriormente,  es mantener la frescura y la entrega del público conforme vayan pasando las horas.  Se intentará así, evitar  que la  dirección se torne automática y sin vida pasando a una mera ejecución por instrumentistas que no establecen una comunicación visual por un director marcado por el cansancio. ¿Porque que es de lo peor que le puede pasar a un músico? No transmitir y la ausencia de sonoridad.

¿Cómo saldrá este maratón musical?¿Aguantará el director el tipo?¿el público disfrutará como nadie de esta original iniciativa? El sábado lo sabremos 🙂

Aquí os dejo el programa solo teneis que clickar 🙂

Atrévete y exprésate en música ¿A qué esperas?

¿Qué tal ha ido con las indicaciones que os dí en el post anterior? Espero que os hayan servido, aunque eso sí, os pido disculpas porque es la primera infografía que realizo. Siempre se me ha dado muy bien realizar materiales para el aula pero esta es la primera vez que utilizo esta técnica. La verdad es que es muy bonito el resultado. Ya iré afinando.

En otro orden de cosas, ¿os habeis fijado a la de gente que es aficionada a la música en uno u otro aspecto? Adolescentes que realizan coreografías, el ejecutivo melómano, el músico de banda, el cantante en la ducha, el coroadicto, los del grupo rociero del barrio, el que se pasa hora mirando videos  de conciertos en youtube, el que se sube sube covers por Internet, los docentes especialistas en música, los que comparten su conocimiento en la red, el que gasta su ancho de banda escuchando música, el que sueña con ser artista, los que escribimos blogs de musicología y  también subimos covers…. bueno, somos tantos que nunca terminaría de enumerar las situaciones porque realmente… es innato nuestro gusto por la música.

La música es el bálsamo de los sentimientos y catalizador de emociones en unas cuantas notas , es quien acompaña para lo bueno y para lo malo y es la que siempre está ahí si no quieres estar solo o quieres estarlo aún más. ¿Por qué alentar la experiencia musical a unos pocos? (los que saben)  Es cierto que no es lo mismo sentir y disfrutar desde  la soltura de toda una vida dedicada a la música   pero, la intensidad no se mide en conocimientos  ¿Quién es capaz de juzgar las vivencias de una persona hacia la música? De un tiempo a esta parte, gracias a las nuevas tecnologías, todos podemos compartir nuestra  experiencia musical. Podemos decir sin miedo   lo que nos gusta y lo que no, podemos aprender de los demás y descubrir maneras de hacerlo mejor. Podemos ser artistas por un día y subirnos un video a Youtube y conversar con más aficionados y músicos de todos los tipos y niveles . Podemos también cantar en un karaoke virtual aunque no atinemos ni una… y podemos simplemente disfrutar.

Y  hacerlo mejor o peor es lo de menos, porque pensar en música nos pertenece a todos y que nadie os diga lo contrario.

Os dejo este corte de Million Dollar Baby de Clint Eastwood para los créditos finales que me ha acompañado mientras escribía…. 🙂

[http://www.youtube.com/watch?v=fQgIQ65XdDU]

Julio Romero de Torres en Google Art Project: El pintor de la guitarra y los ojos azabache.

Escribo un breve apunte sobre la inclusión de 19 obras del  artista cordobés por excelencia, Julio Romero de Torres (1874-1930),  en  Google Art Project contando así esta plataforma con la colaboración del Museo al que da nombre estel artista. Este iniciativa , consiste en la inclusión de galerías virtuales a gran resolución  de obras expuestas en museos del todo el mundo con la finalidad de construir   una gran galería universal vitual  al alcance de todos con un solo click.

Para mi, como cordobesa admiradora de la música en las obras de este pintor  ilustre, representante de la Córdoba su tiempo,  me llena de orgullo ya que supone también una muestra más del reconocimiento internacional a este artista de colores apagados y regios, horizontes difusos,los  sonidos que se ven y la expresión cultural de un pueblo que nunca salía en los retratos de una época.

Julio Romero de Torres, el pintor de la guitarra y los ojos  azabache.

Podeis visitar la galería pinchando aquí

Cante Hondo (1923-24)

Pequeñas pautas para reflexionar sobre la música que escuchamos.

Hoy quería escribiros unas sencillas pautas para aplicar  cuando esteis escuhando música que os horrice u os encante. Como ya  he hablado en anteriores post, nuestra memoria musical se compone de esas esculturas musicales que vamos incluyendo en ella haciendo una base de datos enorme  de todo lo escuchable y por escuchar a lo largo de nuestra vida

Para crear este museo musical  que nos ayude a comprender mejor las manifestaciones musicales tenemos que hacer un análisis un poco más prefundo que nos permita entender que estamos escuchando y a partir de ahí hacernos una idea que nos ayude a reflexionar con criteriotodo lo que pase con nuestros oidos  independiente evitando así  hacernos ideas llenas de prejuicios que nos lleven opniones superficiales  sin fundamento.

Bueno, pues vamos a empezar, ¿no? Este pequeño análisis lo podemos aplicar a cualquier repertorio  aplicándolo a la estética de la música sin necesidad de hacer un análisis formal (esto es, el análisis de música en aspectos más técnicos que nos ayuden a entenderla mejor) Como mi objetivo es  ayudar a  entender y comprender  la expresión musical independiente de nuestro conocimiento musical (que aún sin saber aspectos formales de la música no es poco, solo hay que poner un poco de interés), pretendo hacer un primer acercamiento a  un análisis reflexivo al alcance todos que nos permita pararnos un poquito a pensar y reflexionar sobre qué estamos escuchando.

Para ello, os he preparado una infografía en el que podeis hacer un pequeño análisis musical sobre lo que estamos escuchando, su contexto, antes de ensalzar y o deshechar lo que escuchamos. En definitiva, se trata de entender la música y  el significado de la mismo independientemente que nos guste más o menos.

Aquí, la teneis, si haceis clik sobre la imagen podeis verla a tamaño completo y ver las opciones para compartirla en las redes sociales que querais.

Análisis Musical1

Espero que os guste  y que intenteis  ponerlo  en práctica para pensar siempre en música. En la música de y para todos 🙂

Cuando se esfuma el sonido, perdemos nuestra identidad – Orquesta y coro de RTVE

Hace unas semanas nos depertamos con la noticia de  los posibles recortes en  la Orquesta de Radiotelevisión Española cuya actividad entonces,  estaría condicionada a la temporada de conciertos. Esto haría que estuviese  activa desde otoño hasta primavera pasando así  su plantilla a ser   fija dicontínua. ¿Qué pasa con esto?  Una orquesta de estas características se nutre de ciclos de conciertos, actividades didácticas y otros eventos institucionales y especiales que necesitan de una preparación contínua y no sesgada que delimitaría su rendimiento.

´Muchos pensareis, ¡bah! la orquesta no desaparece, solo que se rescinde el periodo de actividad y así ahorramos dinero  al erario público (hay muchísimas más maneras de ahorrar, pero no es la temática de este blog ).  Pero no es solo eso. Lo que se pierde es algo más importante; el sonido  que la  indentifica.

Con esto, creo conveniente reflexionar sobre la importancia del sonido. El cómo sonamos, en términos generales más allá del timbre, es lo que nos hace únicos. El sonido es nuestra la identidad. Cada persona, cada instrumento, cada orquesta, cada agrupación musical tiene aquello que les hace diferente a los demás, y no estoy  hablando de su repertorio o que tengan en plantilla una legión de virtuosos. La capacidad de un sonido propio solo se consigue  mediante años y años de trabajo común, consiguiendo así que las interpretaciones tengan una personalidad propia a través de la identidad sonora.  Muchas veces, con solo oir unos compases de una canción ya podemos asociarlo a un interprete o grupo musical porque es su sonido, son ellos.

Conseguir esta identidad es fruto de mucho trabajo y si nos ponemos en el caso de  una orquesta sinfónica, no son solo señores y señoras que se sientan a tocar en  una misma sala mientras otro señor lleva una batuta, es algo más complicado y denso. La orquesta por si sola es un instrumento a la cual un director saca lo mejor de ella, empastando cada instrumento con otro, día a día, mes a mes, año a año transformando una masa sonora en ese sonido propio que los caracteriza.  Así la musicalidad del intérprete va entrelazándose con los demás  creando  una amalgama de matices que sólo conoce quien lleva toda la vida dedicado a su instrumento. Si esa continuidad se corta, hace que   ese instrumento cohesionado , formado y maduro  se pueda romper al no poder dedicarle el tiempo necesario para forjar su personalidad en la interpretación de una obra.

Esto es lo que pasa con la orquesta de RTVE, si segmentamos la continuidad de sus sonidos, su indentidad se pierde pasando entonces la orquesta de todos a  a ser una completa desconocida.

Cuando la música se pinta tú también puedes escucharla.

Jan Brueghel de Velours y Peter Paul Rubens

Si hay una rama de la musicología y el arte que me apasiona por los secretos y misterios que encierra,  esa es  la iconografía musical. A menudo, vemos en los cuadros representaciones de instrumentos musicales y partituras que pasan sin pena ni gloria de un vistazo pero que  prestando un poco de atención nos hace descubrir nuevos aspectos maravillosos..

Vale, son instrumentos musicales, pero también es el único documento visual  de la música de una época y más si hablamos de representaciones artísticas de muchos siglos de las que solo tenemos ese testimonio gráfico para poder recrear el instrumento y la visión de la música de ese momento.  Gracias a un análisis iconográfico musical podemos reconstruir instrumentos de otras épocas y  descubrir nuevas (y pequeñas) partituras, averiguar las  nociones  músicales (visuales y teóricas)  del artista que le ayudara a representarlo en un lienzo, un retablo, una escultura….

Con ello, al encontrarnos un instrumento musical en una obra nos podemos hacer estas preguntas para reflexionar sobre el aspecto musical en el arte:

–  ¿Qué instrumentos aparecen? ¿Qué tipo de obra estamos viendo?¿De qué estilo y época?

– -¿Hasta dónde llega su nivel de detalle? (Por ejemplo,cuerdas, trastes, detalles estéticos…)

– ¿Éste instrumento se podría tocar porque la representación de su mecanismo permitiría hacerlo? (por ejemplo, cajas de resonancias muy pequeñas o ausencia de ellas, mástiles cortos, mecanismos que harían imposible cualquier sonido..)

– ¿Existen o tenemos representaciones del mismo en la actualidad ?

–  Si alguien está interpretando música con él ¿es una postura adecuada para hacerlo?

Con estas  sencillas preguntas, nos dedicamos estrictamente al instrumento musical y no a la interpretación del mismo en el cuadro (lo trataré en post aparte porque es muy interesante los significados y alegorías de los mismos). Así cuando tengais la suerte de poder visualizar láminas o ver directamente los cuadros en un museo os invito a buscar los instrumentos musicales escondidos (o no) en el cuadro y  hacer estos sencillos ejercicios de los que se pueden aprender mucho indagando en la búsqueda de respuestas.

Aquí os pongo algunos ejemplos para reflexionar

Mirad la guitarra y la forma de tocar la guitarra ¿La reproduce fielmente? ¿Pensais que Julio reflejaba su realidad histórica? ¿Qué música podría estar tocando?

Pintura Mural del Antiguo Egipto

¿Dirías que están tocando en grupo?¿Qué tipos de instrumentos, están tocando?¿Cuántas cuerdas tiene el arpa?¿Son factibles las posturas para tocar?

Si quereis profundizar en el tema podeis visitar la página de la Complutense sobre su proyecto de  Iconografía Musical en los cuales Cristina Bordas  trata con profundidad este tema.

http://www.imagenesmusica.es/inicio.html

Os cuelgo además una entrevista para que la conozcais mejor así como su proyecto:

http://www.docenotas.com/entrevistas/cristina-bordas-autora-del-catalogo-de-instrumentos-musicales-en-colecciones-espanolas